تبلیغات
هنر گرافیک - مطالب آموزش
 
هنر گرافیک
فرزند هنر باش نه فرزند پدر؛که فرزند هنر زنده کند نام پدر
درباره سایت هنر گرافیک


این سایت در زمینه گرافیک و طرح های زیبا و حرفه ای گرافیکی فعالیت میکند،علاقه مندان به این رشته میتوانند به بحث و گفت و گو و تبادل نظر با همدیگر در مورد کارها بپردازند و کارهای خود را برای نمایش دادن در سایت به ایمیل honaregraphic1@gmail.com ارسال کنند.
خواهشمند است در نقد و بررسی کارها از بیان نظرات غیر هنری خودداری شود،با تشکر ازحضور گرمتان،در سایه خداوند زیبایی ها موفق و سرافراز باشید.


نحوه ارتباط با ما:
honaregraphic1@gmail.com
همچنین از طریق بخش نظرات میتوانید ایمیل خود را به صورت صحیح درج کرده و درخواست خود را ارسال کنید

با به روزترین و متنوع ترین وبگاه هنری ایران همیشه همراه ما باشید.

مدیر سایت : هنر گرافیک
آرشیو سایت هنر گرافیک
نویسندگان
سفارش طراحی کارهای گرافیکی به صورت حرفه ای
{ آمارگیر
طراحان گرافیک سال‌ها است دریافته اند که تنها دو نشانه‌ تصویری برای القای هر پیامی کافی است. بنابراین اصلی‌ترین تلاش آن‌ها نخست، یافتن دو نشانه مرتبط با پیام مد نظر و سپس ایجاد ارتباط بین این دو نشانه است. هدف اصلی جلد یک کتاب «دستور العمل‌های فیل آبی برای ایده یابی» روش‌های دستیابی به نشانه‌های مرتبط است که پیوند متداعی را ایجاد می کنند و درجلد دوم کتاب «دستورالعمل‌های «رنه ماگریت» به فیل آبی برای ایده یابی» به چگونگی همجواری تا جانشینی دو نشانه مرتبط اشاره دارد که پیوند عینی نشانه را ایجاد می کنند. گرچه دو نشانه در چهار وضعیت طرد، تلفیق، تطبیق و انطباق پیوند عینی می یابند اما، درعرصه هنر گرافیک حداقل با ۵۰ موقعیت برای دو نشانه روبروئیم. جلد دوم کتاب فیل آبی به بررسی موقعیت‌های منطقی دو نشانه در هنر طراحی گرافیک می پردازد.



نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها : معرفی کتاب، فیل آبی، ایده یابی، ایده، ایده ها، هنر، گرافیک،
لینک های مرتبط :

       نظرات
شنبه 6 آبان 1396
هنر گرافیک
Drawing For Beginners شامل یک دی وی دی ویدئویی می باشد که در آن Jillian Goldberg در ۸۹ دقیقه به شما سه پروژه‌ی قلعه، همبرگر و ببر را به صورت کاملا واضح و ساده آموزش می دهد تا چگونه این شکل ها را برروی یک کاغذ سفید رسم نمایید . این آموزش ها کاملا مبتدی می باشند و برای کسانی که می خواهند کار نقاشی را شروع کنند ، بسیار مناسب می باشند . نقاشی یا نگارگری فرآیندی است که طی آن رنگ بر روی یک سطح مانند کاغذ یا بوم ایجاد نقش می‌کند؛ همچنین به اثری که در این فرآیند خلق می‌شود نیز نقاشی می‌گویند و فردی که این فرآیند توسط او انجام می‌گیرد نقاش نام دارد، به‌خصوص زمانی که نقاشی حرفهٔ شخص باشد.نقاشی یکی از رشته‌های اصلی هنرهای تجسمی است و قدمت آن شش برابر زبان نوشتاری می‌باشد. اولین نقاشی‌های یافت‌شده در غارها حاکی از آن است که انسان‌های اولیه با کشیدن نقش حیوانات و شکارشان به نوعی خود را آمادهٔ نبرد با آن‌ها می‌کرده‌اند.

دانلود پارت ۱
دانلود پارت 2






نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها :
لینک های مرتبط :

       نظرات
سه شنبه 6 تیر 1396
هنر گرافیک

آموزش نقاشی با مداد رنگی ۲۵

آموزش نقاشی با مداد رنگی ۲۵




نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها :
لینک های مرتبط :

       نظرات
سه شنبه 6 تیر 1396
هنر گرافیک

اسکچینگ یکی از قسمت‌های جذاب طراحی است و مهارت داشتن در آن، ویژگی‌ طراحان خلاق به شمار می‌رود. فیلیپ چدر (FILIP CHAEDER)، طراح محصول سوئدی، به عنوان فردی ماهر در این زمینه، با انتشار آثار خود در اینستاگرام علاقه‌مندان زیادی را جذب کرده است. در ادامه توصیه‌های او در مورد طراحی دیجیتال و خلق آثار حرفه‌ای و زیبا را به نقل از سایت sketchbook می‌خوانید.

خلق دیزاین حرفه‌ای و زیبا نیازمند تمرین زیاد و مهارت یافتن است. زمان نقش تعیین‌کننده‌ای در این روند دارد. ترسیم روان و بی‌وقفه، علاوه بر کاهش زمان موجب می‌شود ایده‌ها به محض شکل‌گیری در ذهن و قبل از کمرنگ شدن، به تصویر کشیده شوند و انگیزه طراح برای پیش‌برد کار بیشتر شود. نکاتی که در ادامه می‌خوانید نکات و ترفندهایی‌اند که به همین منظور توصیه شده‌اند.

۱. چیدمان صفحه کار

طراحی دیجیتال - نکاتی برای بهبود و افزایش سرعت کارزمان انجام کار مهم است اما اگر به صورت فریلنس کار می‌کنید عامل زمان برایتان اهمیت بیشتری پیدا می‌کند. یکی از مواردی که‌ می‌تواند سرعت کار شما را به ویژه هنگام کار با تبلت‌ها بالا ببرد چیدمان ابزارها است. اغلب افراد راست دست‌اند و قرار دادن ابزارها در سمت راست صفحه زمان انتخاب گزینه‌هایشان را کاهش می‌دهد و دسترسی به آنها را آسان‌تر می‌کند.

شاید این نکته جزئی به نظر برسد اما اگر تعداد دفعاتی که ابزارها حین کار عوض می‌شوند را در نظر بگیرید متوجه تأثیر آن در کاهش یا افزایش زمان انجام کار می‌شوید. ضمن اینکه این روش از نظر ارگونومیکی صحیح‌تر است و بازو حین انجام کار در یک وضعیت قرار می‌گیرد و مدام جابجا نمی‌شود.

۲. ساختار لایه‌ها

یکی از امتیازات بزرگ طراحی دیجیتال داشتن آزادی عمل برای تغییر لایه‌ها است. امکان تغییر خطوط، رنگ‌ها و مسیرها، روشی سریع و آسان برای دستیابی به بهترین کیفیت طراحی و رندر است. معمولاً این تغییرات تا آخرین لحظه و تا زمانی که بهترین گزینه‌ها از نظر طراح انتخاب شوند، ادامه پیدا می‌کند.

زیاد شدن لایه‌ها هنگام کار و به هم ریختگی آنها باعث می‌شود زمان زیادی را برای پیدا کردنشان صرف کنید، مخصوصاً اگر بدون نام یا کد مشخص باشند. برای افزایش سرعت و سهولت کار علاوه بر نام‌گذاری می‌توانید آنها را دسته‌بندی کنید و هر دسته را در یک فایل قرار دهید.

۳. ترکیب‌بندی 

طراحی دیجیتال - نکاتی برای بهبود و افزایش سرعت کار

 

طراحی دیجیتال - نکاتی برای بهبود و افزایش سرعت کارهنگام طراحی روی کاغذ، قبل از شروع کار باید ترکیب‌بندی مشخص شود، بنابراین یکی دیگر از ویژگی‌های طراحی دیجیتال، امکان ترسیم طرح و سپس قرار دادن آن در ترکیب‌بندی‌های مختلف است. برای این کار نماهای مختلفی از محصول تهیه کنید، سپس آنها را به صورت جداگانه در ترکیب‌های مختلف بچرخانید و بهترین حالت را انتخاب کنید.

مشاهده ترکیب‌بندی عناصر در آثار طراحانی که به کار آنها علاقه دارید می‌تواند ایده‌های خوبی در اختیارتان قرار دهد.

۴. ترسیم نماها

بهتر است طراحی را با ترسیم نماهای مختلف محصول شروع کنید. تجسم نمای روبرو، جانبی، بالا و در اختیار داشتن همه جزئیات، ترسیم پرسپکتیو محصول و همچنین رسیدن به طرح نهایی را آسان‌تر می‌کند.

نمای جانبی معمولاً آسان و در عین حال منحصر به فرد است. این نما اطلاعات زیادی به بیننده می‌دهد. در بیشتر موارد فقط با دیدن نمای جانبی محصول می‌توان شکل و عملکردهای آن را متوجه شد.

قانون استفاده از تامبنیل این است که فقط نماهای لازم را ترسیم کنید، حداکثر یک تصویر از هر نما. ترسیم تصاویر بیشتر از نماهای مشابه، اطلاعات خاصی به بیننده نمی‌دهد و فقط زمانتان هدر می‌رود.

۵. استفاده از قانون تقارن

طراحی دیجیتال - نکاتی برای بهبود و افزایش سرعت کار

اغلب محصولات به نوعی متقارن‌اند. این خصوصیت می‌تواند زمان طراحی دیجیتال را تا حد زیادی کاهش دهد. اگرچه استفاده از تقارن هنگام ترسیم پرسپکتیو اشیا چندان کارایی ندارد اما برای کاهش زمان طراحی نماهای جانبی عالی است. می‌توانید با اضافه کردن جزئیات و تغییرات منحصر به فرد در هر سمت، کار را طبیعی‌تر نشان دهید.





نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها : طراحی، طراحی دیجیتال، نکات طراحی، افزایش سرعت، سرعت، ه، هنر،
لینک های مرتبط :

       نظرات
چهارشنبه 31 خرداد 1396
هنر گرافیک

اولین تاثیری که یادگیری طراحی سه‌بعدی بر یک طراح گرافیک دارد، بهبود قدرت و هنر طراحی دو‌بعدی اوست! اما برای شروع چه باید کرد؟ در ادامه این مطلب به این سوال پاسخ می‌دهیم که چرا وقتی تعریف هنر دوبعدی است باید مهارت طراحی و مدلسازی سه‌بعدی را افزایش داد و همچنین نشان می‌دهیم که طراحی سه‌بعدی چطور به طراحی دو‌بعدی شما کمک می‌کند.

مزایای طراحی سه‌بعدی

شاید شما هم از آن دسته افرادی باشید که تمایل چندانی به کارکردن در فضای سه بعدی نداشته باشید و تمام تلاش خود را می‌کنید تا از آن دور بمانید. البته نظر و تصمیم شما قابل احترام است اما کمی صبر کنید؛ این چند نکته را بخونید شاید نظرتان عوض شد.

چند دلیل برای استفاده از مدلسازی سه‌بعدی:

۱. طراحی‌های شما ظرافت و دقت بیشتری پیدا می‌کند

مزایای مدلسازی و طراحی سه‌بعدی

وقتی در فضای دوبعدی کار می‌کنید، لازم است اصول پایه‌ای طراحی را مدنظر داشته باشید. این اصول شامل ترکیب‌بندی، پرسپکتیو، نورسنجی، رنگ‌ها و ارز‌ش‌ها، تئوری رنگ‌ها و فرم است.

با کمک نرم‌افزارهای مدلسازی سه بعدی، پیاده‌سازی این اصول به مراتب ساده‌تر و آسان‌تر است.

  • اپلیکیشن UMake تجربه‌ای جدید از طراحی سه‌ بعدی
۲. با سرعت بیشتری کاری می‌کنید

این موضوع تضمین شده است. به محض آن که طراحی سه‌بعدی را یاد بگیرید؛ که البته ممکن است کمی زمان‌بر باشد؛ می‌توانید گام‌های بعدی برای مدلسازی را با سرعت بیشتری بردارید.

  • تحول در طراحی و ساخت وسایل با کمک پرینتر سه‌بعدی
۳. شرایط بازاریابی خود را بهبود بخشید

شاید یکی از مهترین دلیل برای یادگیری طراحی سه‌بعدی ایت باشد که می‌توانید جایگاه خود در بازار کار را بهبود بخشید. دنیا به سمت سه‌بعدی شدن در حرکت است. ارتقای مهارت‌های طراحی و مدلسازی سه‌بعدی به شما این امکان را می‌دهد که در بازار رقابتی آینده امکان رشد و موفقیت بیشتری داشته باشید.

  • طراحی و مدلسازی حرفه‌ای با نسل جدید قلم‌های سه‌بعدی
۴. ذهن شما را خلاق‌تر و مهیج‌تر می‌کند

همیشه هنگام یادگیری چیزهای جدید اتفاقا‌های جالبی در ذهن شما رخ می‌دهد. مثلا هیجان‌زده می‌شود و تمایل و دلایل بیشتری درباره حرف زدن با دیگران پیدا می‌کند. شاید این نکته بنظر شما چندان چیز جالب یا مهمی نباشد اما مهمترین تاثیر آن امکان برقراری ارتباط با افراد بیشتری که در این حوزه فعالیت می‌کنند، است.

  • کفش آرچیتک از شرکت نایک با کمک پرینتر سه‌بعدی تولید شده است
۵. خلاقیت شما را شکوفا می‌کند

هرچند که این دلیل احمقانه بتظر برسد اما لذت بردن از کار و تفریح کردن با آن بسیار مهم و تاثیرگذار است.

از چه نرم‌افزارهایی برای طراحی سه‌بعدی استفاده کنید

گزینه‌های زیادی برای این منظور وجود دارند؛ یکی از آنها Blender است. نرم‌افزاری رایگان و کارآمد برای کسی که تازه کار یادگیری را آغاز کرده است.

دومین نرم‌افزاری که برای این منظور به شما پیشنهاد می‌دهیم، Maya است؛ که البته رایگان که نیست هیچ، ارزان هم نیست.

اگر گزینه ارزان‌تری را جستجو می‌کنید، Maya LT می‌تواند کارآمد باشد. در این میان UMake را نیز فراموش نکنید.





نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها : آموزشی، آموزش، هنر، گرافیک، هنرگرافیک، هنری،
لینک های مرتبط :

       نظرات
پنجشنبه 18 خرداد 1396
هنر گرافیک

تصویرسازی یا تصویرگری یکی از زیرشاخه‌های هنرهای تجسمی است و به نوعی از اثر خلاقانه‌ی تصویری گفته می‌شود که القاکننده‌ی تجسمی یک مفهوم یا روایت با فرم بصری است. این مفهوم و روایت می‌تواند داستان، شعر، مقاله‌ای در روزنامه و کتاب و حتی تبلیغات تجاری، سرگرمی‌ها و اشکال و فرم‌های روی کالاها و لباس‌ها باشد.

تصویرگری

تصویرگری، نقاشی روایی است. راوی مجسّمِ متن؛ همراه یا بدون متن کار برد دارد، و می‌تواند دنباله‌دار، یا تک فریم باشد. تفاوت اصلی تصویرگری با نقاشی، هدفمند بودن آن برای کاربرد مشخص، درنظر گرفتن مخاطب و سفارش‌دهنده است و از این نظر مشابهات بسیاری با طراحی گرافیک دارد.

r تصویرسازی چیست ؟

از انواع تصویرگری می‌توان :

نقاشی‌های داخل کتاب‌های کودک و روی جلد کتاب‌های بزرگسال (و گاه داخلی برای متن- که در ایران، تصویرگری برای متن بزرگسال کمتر رایج است)، نقاشی‌های روی پوسترهای تبلیغاتی و اقلام تجاری، داستان‌های مصور (کمیک استریپ)، و طراحی‌ها و نقاشی‌های داخل مجلات و روزنامه‌ها را نام برد.

واگیره دراصل یک قسمت ازیک طرح بزرگ است نمونه این تکرارهادرنقوش سفالهای دوره‌های اولیه آشکاراست. در دوره هخامنشی به نقش برجسته‌های تخت جمشید بانقش سربازها باشمایلی یکسان که درواقع تکراریک نقش است برخورد می‌کنیم.

این نقوش می‌تواند انسان حیوان گیاه ویا عنصر سمبولیک باشد. درتصویرسازی‌های ایرانی بخصوص تذهیب تکرار نقش مایه بسیار استفاده شده اگر این تکرار مستقیم باشد واگیره انتقالی واگربه صورت قرینه باشد واگیره متقارن نامیده می‌شود.

نقش مایه نقش مایه یا موتیف‌های ایرانی اساس طراحی ونقش نگارهادر نگارگری ایرانی است که درآنها از گلها غنچه برگهای درختان حیوانات الهام گرفته شده است. در دوره هخامنشی ما نوعی ترکیب نمادهای متفاوت ازحیوانات متفاوت دریک موجود هستیم.

پیگمنت یا رنگدانه

پودرهای رنگی که درطبیعت یافت میشودوبه شکل رنگ‌های جسمیاستفاده می‌شود. رنگهای روحی (جوهرهای رنگی) که بیشترمنشاگیاهی دارندمانند پودرهای رنگی نیازبه چسب یا صمغ ندارند مانند رنگ پوست گردو رنگهای مورداستفاده درقدیم دودسته رنگهای جسمی وروحی تقسیم می‌شوند.

رنگهای جسمی منشا رسوبی دارندوحالتی تخت وپوشاننده دارند مثل لاجورداخرا رنگهای روحی بیشتر منشاگیاهی دارندوحالت شفاف دارندمثل رنگ قهوه‌ای ازپوست گردو. درنگارگری ایرانی اغلب رنگهای جسمی به عنوان ته رنگ وزمینه استفاده میشوددرحالی که رنگهای روحی برای قلم گیری وساخت وساز استفاده می‌شود.

تذهیب

تذهیب رامیتوان مجموعه‌ای از نقش‌های بدیع ازختایی واسلیمی دانست که نقاشان برای زیبایی کتابهای مذهبی علمی تاریخی …. به کارمیروند. بنیاد تذهیب‌ها خطوط منحنی خصوصا اسپیرال هاست. گلهای اسلیمی یا ختایی برروی این محورهای منحنی قرارمیگیرد

تشعیر به طراحی حیوانات درحالت گرفت وگیر که‌درحاشیه کتاب همراه با مناظر گل وبرگ سنگ طراحی میشده اطلاق میشودتشعیر گاهی به صورت سیاه قلم همراه باکمی پرداز ویابرروی رنگ‌های تیره با رنگ طلایی انجام می‌شود. تکنیک انگ زمانی که ابتدا طراحی تشعیر راانجام دهند داخل طرح انجام شده رارنگی کم مایه می‌زنند وبعد اطراف آن را قلم گیری طلایی می‌کنند.

iop تصویرسازی چیست ؟

تصویرگری ادبیات کودکان

به تصویر‌دار کردن متن‌های ادبیات کودکان یا بزرگسالان (همراه متن یا بدون متن) تصویرسازی ادبیات کودکان یا بزرگسالان گفته می‌شود.

کتاب‌های کودکان بدون تصویرگری فاقد ارزش‌اند. که به تخیل نویسنده متن حالتی تجسمی بدهند و کودک بتواند بهتر و عمیق تر و با لذت بیش تری با متن ارتباط برقرار کند. گاهی تصویرگران روایت‌هایی را تصویر می‌کنند که متن آن‌ها پشت تصویرها پنهان است و در حقیقت نوشته‌ای تصویر را همراهی نمی‌کند، اما کودکان می‌توانند با دنبال کردن تصویرها روند پیشرفت داستان را درک کنند و معنای آن را بفهمند و از آن لذت ببرند.

صویرگران ادبیات کودکان می‌توانند خود نویسنده متن باشند یا متن دیگران را تصویر کنند. تصویرگری ادبیات کودکان از سبک‌ها و شیوه‌های گوناگون برای بازنمایی روایت‌های پنهان یا آشکار استفاده می‌کنند. این سبک‌ها یا برگرفته از سبک‌های برجسته در تاریخ نقاشی است یا این که آفریده کوشش‌های خود تصویرگران است.

سبک‌های آبرنگ با برجسته نمایی فیگورهای شخصیتی و استفاده از رنگ‌های تندو گرم یکی از روش‌های رایج در تصویرگری کتاب‌های کودکان است که آن‌ها را جذب می‌کند. همچمنین کلاژ تکنیک دیگری است که تصویرگران به فراوانی از آن بهره می‌برند.

sd تصویرسازی چیست ؟

انجمن فرهنگی هنری تصویرگران ایرانی

انجمن فرهنگی هنری تصویرگران ایرانی، تنها انجمن معتبر تصویرگران ایران است که از سال ۱۳۸۲ اعلام موجودیت نموده است.





نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها : تصویر، تصویرسازی، چیست، تصویرسازی چیست،
لینک های مرتبط :

       نظرات
سه شنبه 16 خرداد 1396
هنر گرافیک

پیش از این نرم‌افزارها و اپلیکیشن‌های جدید مدلسازی را در هزارویک بوم معرفی کرده‌ایم، اما این بار با ابزاری آشنا می‌شوید که احتمالا در آینده نزدیک یکی از ساده‌ترین روش‌های ساخت مدل سه بعدی خواهد شد. نرم‌‌افزار BendSketch تبدیلِ اسکچ‌های دو بعدی به مدل سه بعدی را تا حد ممکن ساده می‌کند.

نرم‌‌افزار BendSketch

یکی از مهارت‌های پایه که در دانشگاه به دانشجویان رشته طراحی صنعتی آموزش داده می‌شود ترسیم اجسام سه بعدی روی سطح دو بعدی است. اگر در یکی از گرایش‌های دیزاین تحصیل کرده باشید، احتمالاً تجربه کار با خطوط شبکه‌ای (contour lines) را دارید. فرض کنید که با استفاده از همین خطوط بتوانید مستقیماً مدل سه بعدی طرح را ایجاد کنید. این روش احتمالاً ساده‌ترین نوع تبدیل طرح‌ دو بعدی به مدل سه بعدی خواهد بود.

جالب است بدانید که محققین با الهام از این روش در حال توسعه نرم‌افزاری به نام بند اسکچ (BendSketch) هستند تا تبدیل اسکچ‌های دو بعدی به مدل سه بعدی را تا حد ممکن ساده کنند. حاصل همکاری دانشگاه هونگ‌ کونگ، مرکز تحقیقات مایکروسافت در آسیا و دانشگاه بریتیش کلمبیا ابزاری است که با دریافت کمترین داده بهترین خروجی در قالب مدل سه بعدی را دارد.

نتیجه این تحقیقات به صورت مقاله در کنفرانس SIGGRAPH ارائه شده است. این کنفرانس هرسال با محوریت دستاوردهای حوزه گرافیک رایانه‌ای برگزار می‌شود.

در این روش طراح پس از رسم خطوط محیطی، انحنا و مسیرهای اصلی شکل مورد نظر را با چند خط ساده مشخص می‌کند. نرم‌افزار با کمک این داده‌ها پیچیدگی و انحناهای اصلی سطح را تشخیص داده و فرم مورد نظر را در قالب جسم سه بعدی شکل می‌دهد.





نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها : آموزش، سه بعدی،
لینک های مرتبط :

       نظرات
جمعه 29 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک
علاقمندان به عکاسی می‌دانند که عکاسی از چهره اگر بصورت حرفه‌ای و صحیح انجام شود می‌تواند اطلاعاتی درباره‌ی شخصیت و روحیات سوژه در اختیار بیننده قرار دهد و همین باعث می‌شود که این سبک عکاسی، بسیار پیچیده و محبوب باشد. عکاسی پورتره گاهی با چالش‌هایی هم روبروست. چالش‌هایی که واقعا آزاردهنده هستند و رفع آن‌ها زمان‌گیر است. مثلا گاهی شما عکسی از فرد مورد علاقه‌تان ثبت می‌کنید اما زمانی که آن را با دقت در کامپیوترتان مشاهده می‌کنید، متوجه می‌شوید تعدادی از موهای او در هوا پراکنده است و نظم و زیبایی عکستان به هم ریخته است. خصوصا در عکاسی از مد و فشن این موضوع اهمیت زیادی پیدا می‌کند و شما به عنوان یک عکاس خوب باید حتما بتوانید این موهای آشفته را حذف کنید.
در این آموزش در رابطه با سه تکنیک مفید و عالی صحبت می‌کنیم که به شما کمک می‌کند موهای معلق در هوا را به صورت کاملا طبیعی روتوش کنید.
 روتوش تصویر باید به گونه‌ای انجام شود که بیننده قادر به تشخیص آن نباشد. بعضی از عکس‌ها هستند که در محیط و با امکانات بسیار خوبی ثبت می‌شوند که نتیجه‌ی کار هم طبیعتا خوب خواهد بود اما برخی دیگر از عکس‌ها در شرایط معمولی گرفته‌ می‌شوند و این تکنیک‌های عکاس و ویرایشگر تصویر است که از آن عکس، یک عکس حرفه‌ای و عالی می‌سازد...

برای مشاهده کامل پست به ادامه مطلب مراجعه کنید...


ادامه مطلب(کلیک کنید)


نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها :
لینک های مرتبط :

       نظرات
سه شنبه 12 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک

حتما می‌دانید که معروف‌ترین و مهم‌ترین روش اضافه کردن افکت‌ها و استایل‌های گوناگون به یک لایه در فتوشاپ، استفاده از پنل Layer Style است. برای دسترسی به این بخش باید در پنل لایه‌ها روی یک لایه راست کلیک کنید و سپس Blending Options را انتخاب کنید و یا اینکه روی تصویر بندانگشتیِ هر لایه (به اصطلاح Thumbnail) در پنل لایه‌ها دوبار کلیک کنید.

اکنون پنجره‌ای با نام Layer Style در مقابل شما ظاهر می‌شود که می‌توانید از طریق آن، افکت‌های متعددی به یک لایه بدهید. از تغییر رنگ و گرادینت گرفته تا سایه و استروک دادن و …
در این مطلب قصد داریم به یکی از مهم‌ترین بخش‌های Layer Style یعنی Drop Shadowss بپردازیم و درباره‌ی تنظیمات این بخش اطلاعاتی را در اختیار شما قرار دهیم.
آشنایی با این قسمت و نیز سایر افکت‌های پنل Layer Stylee برای هر فتوشاپ‌کاری کاملا ضروری است. بنابراین پیشنهاد می‌کنیم راهنمای استفاده از Drop Shadows در فتوشاپ را تا انتها مطالعه کنید...


برای مشاهده کامل پست به ادامه مطلب مراجعه کنید...



ادامه مطلب(کلیک کنید)


نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها :
لینک های مرتبط :

       نظرات
سه شنبه 12 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک

دابل اکسپوژر یک تکنیک برای عکاسان کلاسیک به شمار می‌آید که در سال‌های اخیر هم طرفداران بیشماری پیدا کرده است. با روشی که امروز به شما یاد می‌دهیم، حتما لازم نیست یک عکاس حرفه‌ای باشید. بلکه کافیست یک عکس از خودتان داشته باشید و بعد می‌توانید آن را با یک عکس با کیفیت و دلخواه دیگر تلفیق کنید و یک تصویر دابل اکسپوژر خیره‌کننده ایجاد کنید.
 البته لازم به ذکر است که روش‌های متعددی برای ایجاد تصاویر دابل اکسپوژر در فتوشاپ وجود دارد اما در این آموزش ما ساده‌ترین و سریع‌ترین روش را توضیح می‌دهیم و همزمان آن را به صورت یک اکشن در می‌آوریم که هر زمان که خواستید و برای هر عکس دیگری بتوانید از آن استفاده کنید.


فایل‌های مورد نیاز برای این آموزش
  • تصویری از یک دختر 
  • تصویری از خیابانی در نیویورک
برای مشاهده کامل پست به ادامه مطلب مراجعه کنید...


ادامه مطلب(کلیک کنید)


نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها : آموزش ساخت اکشن فتوشاپ برای تولید تصاویر دابل اکسپوژر، آموزش، اموزش اکشن، اکشن، تصاویر، دابل اکسپوژر،
لینک های مرتبط :

       نظرات
سه شنبه 12 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک
آموزش ایجاد افکت متنی زغال گداخته در فتوشاپ

فایل‌های مورد نیاز برای این آموزش
قدم اول: ابتدا تکسچر پس‌زمینه‌ی تیره را که در ابتدای آموزش دانلود کرده‌اید، در فتوشاپ باز کنید. سپس با ابزار Text از پنل ابزار، متن دلخواه خود را بنویسید. بعنوان مثال ما کلمه‌ی PSD را انتخاب کرده‌ایم. ما برای نوشتن این کلمه از فونت انگلیسی Helvetica LT Stdd استفاده کرده‌ایم اما شما می‌توانید هر فونت دلخواه دیگری را به کار ببرید.
در پنل کاراکتر (اگر این پنل را در محیط اصلی فتوشاپ خود نمی‌بینید به مسیر Window > Character بروید.) اندازه‌ی فونت را روی 425ptt و فاصله‌ی افقی حروف را 25- تنظیم نمائید...

برای مشاهده کامل پست به ادامه مطلب مراجعه کنید...


ادامه مطلب(کلیک کنید)


نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها : آموزش، فتوشاپ،
لینک های مرتبط :

       نظرات
سه شنبه 12 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک

فتوشاپ را باز کنید و به مسیر File > New بروید.
پنجره‌ی تنظیمات داکیومنت جدید در مقابل شما گشوده می‌شود. در این پنجره، تمامی تنظیمات موجود در تصویر زیر را وارد نمائید.
فایل‌های پترن (با پسوند pat.) که جهت دانلود قرار داده شده‌اند، دریافت و از مسیر File > Openn آن‌ها را باز کنید.

ایجاد داکیومنت جدید در فتوشاپ

قدم دوم: به مسیر Menu > Layer > Layer Style > Blending Options بروید و همه‌ی تنظیماتی که در تصویر زیر ملاحظه می‌کنید، وارد کنید.
دو راه دیگر برای دسترسی به پنل Blending Optionss در فتوشاپ وجود دارد: سریعترین روش این است که در پنل لایه‌ها، روی لایه‌ی مورد نظر دوبار کلیک کنید...

برای مشاهده کامل پست به ادامه مطلب مراجعه کنید...



ادامه مطلب(کلیک کنید)


نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها : آموزش، افکت، ایجاد افکت، استایل، فتوشاپ،
لینک های مرتبط :

       نظرات
سه شنبه 12 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک

قدم اول: نرم‌افزار فتوشاپ را باز کنید. سپس یک سند یا داکیومنت جدید با ابعاد 1000px در 400px (افقی) و با رزولوشن 72Dpi ایجاد کنید.
تکسچر پس‌زمینه‌ی چوبی را که در ابتدای این مطلب جهت دانلود شما عزیزان قرار داده شده‌ است، باز کنید و آن را در داکیومنت خود قرار دهید.
کلیدهای Ctrl+TT را فشار دهید و تکسچر پس‌زمینه‌ی چوبی را از اطراف با موس بکشید تا با اندازه‌ی پس‌زمینه منطبق شود.

قرار دادن تکسچر در پس‌زمینه

برای مشاهده کامل پست به ادامه مطلب مراجعه کنید...



ادامه مطلب(کلیک کنید)


نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها :
لینک های مرتبط :

       نظرات
سه شنبه 12 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک

یکی از علاقمندی‌های همیشگی طراحان و گرافیست‌ها در سراسر دنیا، ایجاد تایپوگرافی‌های متنوع و خلاقانه است.
با توجه به اینکه که در آستانه‌ی نوروز هستیم، تصمیم گرفته‌ایم آموزشی با حال و هوای بهاری در اختیار شما عزیزان قرار دهیم.
 در این آموزش می‌آموزید که چگونه با بکارگیری تکنیک‌های ساده و سریع، یک افکت متنی بسیار زیبا از جنس گل‌های بهاری ایجاد کنید. با کمک این مطلب می‌توانید کارت پستال‌هایی بسیار زیبا طراحی کنید و در عید نوروز به عزیزانتان هدیه دهید. همراه باشید.

افکت متنی از جنس گل های بهاری


برای مشاهده کامل پست به ادامه مطلب مراجعه کنید...



ادامه مطلب(کلیک کنید)


نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها : آموزش، فتوشاپ،
لینک های مرتبط :

       نظرات
دوشنبه 11 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک

آشنایی با مکتب پاپ آرت(Pop art)







معنای واژه "پاپ آرت" مخفف(popular art) هنر مردمی یا هنر عامه است.

این اصطلاح را "لورنس الووی" منتقد انگلیسی برای توصیف جنبشی هنری که در اواخر دهه 1950 تا اوایل دهه1970 در بریتانیاو امریکاشکل گرفت، ابداع کرد





این جنبش هنری به مفهوم مصرف گرایی و بر فرهنگ عامه مبتنی است.

وجه مشخصه هنر پاپ در امریکا و بریتانیا از جمله عبارت بود از استفاده از تصاویر کتاب های کارتونی ، آگهی های تبلیغاتی، بسته بندی و تصاویر تلویزیون و سینمایی.

پاپ آرت در آغاز در ایالات متحده به عنوان واکنشی در برابر سبک اکسپرسیونیسم انتزاعی مورد توجه قرار گرفت.

زیرا هواخواهان "پاپ آرت" بار دیگر به سراغ تصاویر فیگوراتیو و اندام وار رفتند واز روش های ترسیم خطوط کناری و به ظاهر عکاسانه استفاده کردند.

هنرمندان این مکتب از موضوعات پیش پا افتاده ای مانند کمیک استریپ، کنسرو سوپ، تابلوهای بزرگراه ها، حباب لامپ، روزنامه، بطری های کوکاکولا، صندلی الکتریکی استفاده می کردند.


از هنرمندان معروف پاپ آرت می توان از "جسپر جونز"، "مارسل دوشان"، "روزنبرگ"، "اولدنبرگ" و "روی لینکنشتین" نام برد

پاپ آرت بر خلاف لحن طنز گونه و کنایی اش، دارای یک جنبه تاریک تر هم بود، برای مثال تکرار مفرط برخی نقش های بی مایه در آثار "اندی وارهول"جلوه ای بر آشوبنده را خلق می کند.





دیوید هاکنی

دیوید هاکنی (به انگلیسی: David Hockney) (زاده ۹ژوئیه۱۹۳۷نقاش، طراح، چاپگر، عکاس انگلیسیو یکی از مهم‌ترین پیشگامان جنبشپاپ آرتدهه ۱۹۶۰است.

هاکنی به سبب نوجویی پیگیر، تنوع و تناقض آثارش یکی از هنرمندان نامدار و اثرگذار دهه‌های اخیر به شمار می‌آید. او همچنین یک محقق در زمینه هنر می‌باشد.

زادهٔ  : ۹ژوئیهٔ۱۹۳۷   ‏(۷۵ سال) برادفوردانگلستانملّیت انگلیسیسبک پاپ آرت


سالهای نخست


دیوید هاکنی د ۹ژوئیه۱۹۳۷در برادفوردبدنیا آمد و تحصیلات خود را در مدرسه گرامربرادفورد، کالج هنر برادفورد، و کالج سلطنتی هنر)۱۹۶۲-۱۹۵۹در لندن، جایی که با رونالد بی کیتاجآشنا شد و تحت تاثیر او به نقاشی پیکرنما و بهره‌گیری از منابع ادبی روی آورد، ادامه داد.

هنگامیکه در کالج سلطنتی هنربود، در نمایشگاه معاصران جوان(۱۹۶۲)در کنارپیتر بلیک، که ورود هنر پاپ آرتانگلیسی را اعلام کرد، با چهار نقاشی به شیوه‌های مختلف و با عنوان کلی تظاهرات تنوع شرکت نمود . او کاملاً در  امتداد هنر پاپ انگلیسی قرار کرفت اگرچه در کارهای اولیه او عناصر اکسپرسیونیستی نیز دیده می‌شود، نه کاملاً شبیه آثار فرانسیس بیکناما در برخی آثار، مانند ما دو پسر در کنار هم شفیقیم (۱۹۶۱(، بر اساس شعری از والت ویتمن. این آثار همچنین به همجنسگراییاو ارتباط داده می‌شود . از۱۹۶۳آثار هاکنی توسط یکی از اثرگذارترین دلالان هنر، جان کاسمینعرضه می‌شد. همچنین در ۱۹۶۳هاکنی به نیویورکرفت و در آنجا با اندی وارهولتماس پیدا کرد . بعدها، در دیداری از کالیفرنیا، جایی که در ان مقیم شد، موضوع‌های زندگی بورژواها را نقاشی کرد، همچنین نقاشی‌های رنگ و روغنی از استخرهای لوس آنجلسکشید. این کارها واقعگرا تر و با رنگ‌های زنده تری اجرا شده اند. او همچنین به اجرای چاپ‌های دستی، پرتره‌هایی از دوستان، تصویرسازی برای شعر پرداخت . دفتری از طراحی‌هایش را با نام سفرهایی با قلم، مداد و مرکب )۱۹۷۸به چاپ رسانید . طی سالهای بعد به طراحی صحنه برای رویال کورت تئاتر، گلین دبورن، لا اسکالا و متروپولیتن اپرادرنیویورکپرداخت. او که گهگاه عکاسی می‌کرد، از اوایل دهه ۱۹۸۰، دست به تجربه‌هایی در فتوکلاژزد که تصویرهای هم‌زمان در نقاشی کوبیسترا به یاد می‌آورند






لیتوگرافی


هاکنی در مدرسه هنر برادفرد، یورک شایر، لیتوگرافی را فراگرفت . اولین اثر چاپ او من و قهرمانانم )۱۹۶۱(، که او را در کنار گاندیو والت ویتمننشان می‌دهد، است . اولین پروژه مهم او در چاپ دستی یک سری شانزده تایی اچینگ مراحل هرزگی بود . که در آن کار روایی هوگارت به همین نام را با تجربیات شخصی‌اش از نیویورکدرآمیخته بود. با این اثر چون هنرمندی با استعداد معرفی شد.


در دهه ۱۹۶۰در کالیفرنیابا همکاری کن تایلر سری دیگری از کارهای چاپ را تحت عنوان یک مجموعه هالیوود خلق کرد . بسیاری از این لیتوگراف‌ها چهره‌های دوستان او، و اغلب از سلیا بیرت‌ولاست. در ۱۹۷۱-۱۹۷۰خانم و آقای کلارک و پرسیرا نقاشی کرد که تصویری از سلیا و همسرش اوسی کلارک، طراح لباس، در خانه‌شان در ناتینگ‌هیلبود. این اثر به یکی از مردمی‌ترین‌های مجموعه نگارخانه تیتو بر اساس رای‌گیری رادیو ۴ بی بی سیدر سال ۲۰۰۵به عنوان یکی از محبوب‌ترین نقاشی‌های انگلیس تبدیل شد


اولین اثر چاپی او در دهه ۱۹۸۰دو لیتوگراف بزرگ از سلیا بود که توسط جمینی جی. ای. ال. (استودیویی که توسط کن تایلر تأسیس گردید) چاپ شد. هاکنی همچنین دو اچینک به بزرگداشت پابلو پیکاسوپس از درگذشتش در ۱۹۷۳، کسی که او کارهایش را تقدیر می‌کرد و تحت تأثیر آن نیز بود، خلق کرد.

در یک بهره‌گیری نامتعارف از نقاشی، عنوان آغازین فیلم سوییت کالیفرنیا(۱۹۷۸)از نیل سایمون، بر اساس نمایشی از او به همین نام، با نمایش ده‌ها نقاشی با موضوع کالیفرنیا از آثار هاکنی شروع می‌شود.

متصل‌شدگان(The Joiners)

هاکنی همچنین به کار عکاسی نیز می‌پرداخت، او تعداد بسیاری عکس (بین ۵ تا ۱۵۰ عددپولارویدیا عکس‌های کوچک را (از یک موضوع) در کنار هم بصورتی ترکیب می‌کرد که اثری واحد خلق می‌شد. از آنجا که این تصاویر از زوایای مختلف و در زمان‌هایی متغیر (اگرچه اندک) انداخته شده بودند، نتیجه اثری بود که حال و هوای کارهای کوبیستیرا تداعی می‌کرد، فضایی که هاکنی شیفته آن بود. برخی از این کارها مناظر - مانند بزرگراه پیربلوسام شماره دو و برخی دیگر چهره‌نگارهبودند.





نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها : هنرعامه، پاپ آرت، پاپ، آرت، هنر گرافیک،
لینک های مرتبط :

       نظرات
دوشنبه 4 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک

پاپ آرت در اواسط دههٔ ۵۰ میلادى در انگلستان متولد شد. این نهضت زاییدهٔ افکار به نوعى ساختارشکن هنرمندانى جوان با پیش زمینهٔ هنر مدرن بود. اصطلاح «پاپ آرت» اولین بار در سال‌های ۵۳-۱۹۵۲به هنگام گفتگو میان هنرمندانی که خود را «گروه مستقل» می‌نامیدند، شکل گرفت. این گروه زیرمجموعهٔ انجمن هنر معاصر لندن بود.

پاپ آرت، فرهنگ مردمی یا علامات بیرونی و ظاهری فرهنگ را بسیار درک و تقدیر می‌کرد. این سبک الزاماً بازتاب‌هاى متریالیسم و مصرف گرایی را نقد نمی‌کند، بلکه به سادگی‌ حضور فراگیر آن را به عنوان یک امر طبیعی، تمیز و تشخیص می‌دهد.

unnamed (4)

این سبک نقش بسزایى در معرفى کالاهای مصرفی، پاسخ به تبلیغات هوشمند و پایه گذارى اشکال تاثیرگذار رسانه‌هاى گروهى (در آن‌ زمان فیلم، تلویزیون، روزنامه، و مجلات) بازى کرد و همچنین به وسیله روش هاى بیانى ساده و پویا انرژى ارتباطى میان نسل جوان متولد شده بعد از جنگ جهانی‌ دوم را بهبود و ارتباط میان این نسل را استحکام بخشید.

پیروان این سبک با قد برافراشتن در مقابل لفظ مبهم و مرموز آبستره، به وسیله زبان تصویری جوانشان، خواهان بیان کردن مثبت اندیشی‌‌ بعد از دوره‌هاى مشقت و محرومیت اجتماعى بودند.

ریشه‌ها:

در اوائل سال ۱۹۷۰،  پاپ آرت، «جنبش مدرنیست» را به کمک سرمایه گذاری مثبت اندیشش با هل دادن مرزها به سوى حداکثر توان این سبگ تکمیل کرد. همچنین به وسیلهٔ انعکاس تصویر جامعهٔ معاصر، به این جنبش (مدرنیسم)، پایان داد. زمانی‌ که نسل پُست مدرنیست به نظر سرسخت و پایان ناپذیر به نظر می‌رسید، عدم اعتماد به نفس به عنوان نقطه ضعفى بر آن غالب شد و کم کم جاى خود را به پاپ آرت داد. پاپ آرت که در ابتدا جوى مهمانى گونه داشت و نه چندان جدى به نظر می‌رسید، در این زمان جایگزین خوبى براى مدرنیسم به حساب آمد و با استفبال گسترده هنرمندان جوان به عنوان سبکى عملى و کاربردى روبرو شد.

unnamed (2)

دادائیسم و پاپ آرت:

«مارسل دوشان» به وسیلهٔ معرفی‌ حقیقت «تولید ماشینی کالا» مصرف گرایی معروف «پیکاسو» را به سمت نمایشگاه‌ها هل داد. یک جای بطری، یک پاروی برف، یک لگن ادرار برعکس، اشیائى بودند که آنها را «حاضر و آماده» نامید. بیانی ضدّ هنر که به جنبش هنری «دادا» تعلق داشت.

نئودادا یا پاپ آرت نخستین:

هنرمندان پاپ آرت نخستین، به دنباله روی از دوشان در سال ۱۹۵۰ به یکی‌ کردن یا بازتولید سه بعدی أشیا پرداختند. «قوطی‌های آبجو» جسپر جونز (۱۹۶۰) و «تخت» روبرت روشنبرگ (۱۹۵۵) دو اثر مهم این دوران هستند. این آفرینش‌ها در طول سال‌های سازندگیشان، «نئو‌دادا» نامیده شدند. امروز آن را «پیش پاپ آرت» (پری‌پاپ آرت) یا «پاپ آرت نخستین» می‌نامیم.

unnamed (7)

قوطی‌ها

unnamed (3)

تخت

مشخصات پاپ آرت کدامند؟

– شبیه سازی قابل تشخیص برگرفته از رسانه‌ها و فرآورده‌های مردمی

– معمولا رنگ‌های بسیار باز و روشن

– تصاویر تخت تاثیر گرفته از کتاب‌های کمیک و عکس‌های روزنامه‌ها

– تصویر چهره‌های معروف یا شخصیت‌های تخیلی‌ در کتاب‌هاى کمیک و تبلیغات

– در مجسمه سازى، بدعت به کار گرفتن رسانه (مدیا)






نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها : پاپ آرت، هنر، هنرمردمی، هنر مردمی، پاپ آرت چیست، هنر عامه، عامه،
لینک های مرتبط :

       نظرات
دوشنبه 4 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک

تاریخچه

کلمه هنر پاپ را جون مکهله در سال ۱۹۵۴ به وجود آورد. آقای مکهله معنی هنر پاپ رادر یک نمایشگاه در انگلیستان به ریچارد همیلتن توضیح داده بود. سه یا چهار ماه بعد، آقای همیلتن طی نامه‌ای معنی هنر پاپ را تبیین کرد.

در این نامه همیلتن گفته بود که هنر پاپ یک هنر جوان، ارزان، مردمی، فانی، مصرف‌گرا، کنایه‌آمیز، فریبنده و یک تجارت بزرگ است. در سال ۱۹۵۸ کلمه Pop Art را برای اولین بار در مجله Architectural Digest چاپ کردند. به زودی یک جنبشی به وجود آمده بود و از اواسط دهه ۱۹۶۰ کاملاً شناخته شده بود هنر پاپ را دادای نیمه دوم قرن بیستم نامیدند.

جنبش هنر پاپ در آخرین سالهای دهه ۱۹۵۰ در انگلستان به وجود آمد و در آمریکا به نقطه کمال خود رسید و معروف ترین هنرمندان آن آمریکایی اند و موزه هنر مدرن نیویورک بود که اولین بار در سال ۱۹۶۲، عنوان “پاپ آرت” را به‌کار گرفت.

بسیاری از مورخان و منتقدان هنری لقب ‘پدر هنر عامّه’ را به ریچارد همیلتون John McHale میدهند؛ گرچه او از پذیرفتن این عنوان خودداری کرد. اثر هنری او ?Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing به سال ۱۹۵۶ به عنوان اولین اثر این جنبش شناخته می‌شود.

جنبش پاپ آرت

عبارت پاپ آرت مختصر پاپیولر آرت هنر توده است. نام این جنبش همه چیز در باره خودش را آشکار می‌کند. پاپ آرت می‌خواست هنر را دوباره به زندگی روزانه مردم بیاورد. این جنبش در واکنش به نقاشی آبستراکت به میان آمد و ادعا می‌کرد جنبش آستراکت بیش از حد سوفسطایی و نخبه گرا است.

تصاویر مورد پسند هنرمندان پاپ اشیا از زندگی روزمره بود بطور مثال قوطی‌های سوپ برای اندی وارهول و کمیدی برای روی لیشتیستین. خصوصیت گرایش جنبش پاپ آرت استفاده وارهول از سیریگرافی، یک شیوه فوتو ریلستیک و توده پسند پرینت میکنگ بود.

پاپ آرت با فشار وارد مطبوعات و اعلانات شد. تفاوت بین هنرهای زیبا و هنرهای اعلانات بازرگانی بطور ارادی از بین رفت. مثال بسیار خوب پوشش آلبوم‌های موسیقی سالهای شصت است. شخصیت مکتب فکری بدون شک اندی وارهول بود.

– پاپ آرت از دید کلی

پاپ آرت، گرچه حالا اسمش را در ایران و جاهای دیگر فراوان شنیده می‌شود، در اصل یک جنبش هنری متعلق به دهه ۶۰ میلادی است.

یک گروه هنری مستقل انگلیسی بودند که زیبایی‌شناسی هنری را گسترش دادند. در واقع این‌ها عقیده داشتند مبتذل‌ترین عناصر فرهنگ جامعه قابل زیبا بودن و هنری بودن هستند. آنها ابزارهای کار خود را فیلم‌های عامه پسند، آگهی‌های تبلیغاتی، داستان‌های علمی تخیلی، موسیقی پاپ، حروف و علائم متداول، اشیای روزمره و کالای مصرفی، معرفی کردند.

در واقع هرچه که در چشمان مردم بیشتر دیده می‌شود می‌تواند ابزار قدرتمندی برای پاپ آرت باشد. پدید آوردندگان پاپ آرت بر تأثیر بر فرهنگ عامه شهری تاکید داشتند. در آمریکا، پاپ آرت قدرت و نفوذ فراوانی داشت و به نوعی واکنشی برابر اکسپرسیونیزم انتزاعی و باورهای دادائیسمی بود. هنر پاپ آرت به سرعت در عرصه‌های مختلفی مثل طراحی گرافیک و سینما رسوخ کرد. در دوران جدید با ظهور بیلبوردهای عظیم تبلیغاتی کنار بزرگراه‌ها، پاپ آرت قدرتمندترین ابزار خود را یافت.

همیشه پاپ آرت و «پول درآوردن از هنر» چنان به هم نزدیک به نظر می‌آیند که اگر نیت بوجود آورندگان آنها را در نظر نگیریم، ساده است که با هم اشتباه شوند. این دو با هم بده بستان دارند، پاپ آرت از تجارت تغذیه می‌کند و تجارت از پاپ آرت.

هنرمندان انگلستان

ریچارد همیلتون و ادواردو پاولوزی گروه وزو ایندپندنت را تأسیس کردند، این گروه مهم‌ترین حرکت این سبک در سراسر انگلستان بود. در دهه ۱۹۶۰ جنبش هنر پاپ را پیتر بلیک، پاتریک کالفیلد، دیوید هاکنی، آلان جونس و پیتر پیلیپس ادامه دادند.

آمریکا

در اولین سالهای ۱۹۶۰ هنر پاپ به آمریکا رسید و در کار هنرمندانی مثل جسپر جانز، روی لیختنشتاین, کلیز اولدنبورگ، رابرت راشنبرگ، جورج سیگل، جمیز روزنکویست و جیم دینه تأثیر گذار شد.

یکی از مهم‌ترین هنرمندان این سبک اندی وارهول بود. وارهول با استفاده از قوطی سوپ و کوکا کولا و جعبه‌های تجاری و حتی اسکناس، برخی از مهمترین آثارش را خلق کرد.





نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها :
لینک های مرتبط :

       نظرات
دوشنبه 4 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک

دستمایه اصلی هنرمندان این سبک ، فرهنگ مردمی ، تولیدات انبوه، تبلیغات محیطی یا تلویزیونی ، بسته بندی ها و در کل هر آنچه مردم بیشتر می دیدند.`

 کلمه pop Art را جان مکهله در سال 1954 به وجود آورد. او معنی هنر پاپ را در یک نمایشگاه در انگلستان به ریچارد هملیتون توضیح داده بود.سه یا چهار ماه بعد ، آقای هملیتون طی نامه ایی معنی هنر پاپ را تبیین کرد در این نامه همیلتون گفته بود هنر پاپ یک هنر جوان، مردمی، فانی و ارزان مصرف گرا، کنایه آمیز، شهوت انگیز ، فریبنده و یک تجارت بزرگ است.

هنر پاپ را دادای دوم نیمه دوم قرن بیستم نامیدند. نام این جنبش همه چیز را درباره خودش آشکار می کند. پاپ آرت می خواست هنر را درباره زندگی روزانه مردم بیاورد. این جنبش در واکنش به نقاشان آبستره به میان آمد و ادعا می کرد . جنبش آبستره بیش از حد سوفسطایی و نخبه گراست. تفاوت بین هنرهای زیبا و هنرهای اعلانات بازرگانی به طور ارادی از بین رفت.

مثل استفاده وارهول از سریگرافی ، شیوه فوتورئالیست و توده پسند ، پرینت میکینگ بود. در واقع اینها عقیده داشتند. مبتذل ترین عناصر فرهنگ جامعه قابل زیبا بودن و هنری بودن هستند و می توان آن ها را با زبان هنری بیان کرد آن ها ابزارهای کار خود را فیلم های عامه پسند، آگهی های تبلیغاتی داستان های کمیک استریپ علمی، تخیلی، موسیقی پاپ، حروف و علائم متدوال، اشیای روزمره و کالاهای مصرفی معرفی کردند. در واقع هر چه که در چشمان مردم بیشتر دیده می شود می تواند ابزار قدرتمندی برای پاپ آرت باشد.

پاپ آرت انگلیسی شامل : جوتیلسون – پیتراسمیت – پیتر بلیک – دارت فورد- ریچارد همیلتون –ادوارد و پائولوتزی، لارنس الووی است در سال 1956 نمایشگاهی تحت عنوان ( این است فردا ) برگزار شد.

که طی آن اثری از ریچارد همیلتون به نام ( راستی آن چیست که خانه های امروز را این چنین متفاوت و جالب می گرداند.) به نمایش درآمد.

این اثر را می توان اولین اثرپاپ آرت و همچنین اولین مانیفست آن تلقی کرد این مرحله که بهره مند از عناصر ارتباطات همگانی مثل عکس، پوسترهای تبلیغاتی و کالاهای تولید شده در جامعه سرمایه داری بود، عینی و قابل درک بود. می توان مرحله اول پاپ آرت دانست.


به طور کلی پاپ ارت فاقد شدت وحدت لازم برای براندازی نظام قبلی هنر می باشد. متهم به « نئودادی » عصر رفاه و آسایش می شود. با این حال برخی هنرمندان سالخورده ای برای سرگرمی موضع خود راه به سوی آن تغییر داده.

مرحله دوم ، مشاهده و ادراک جهان پیرامون توسط علایم و نشانه هایی چون رنگ و نور بود. که توسط رسانه های گروهی اعمال شد و احساس بیننده را تحت تاثیر قرار داد.

پاپ آرت آمریکایی شامل: روی لیختنشتاین ، دیوید هاکنی،کلاس اولدنبرگ، جرج سگال و جیمز روزنکوئیست بود.و در ابعاد وسیعی گسترش یافت. و به عنوان محصولی از کشور آمریکا تلقی گردید.

پاپ آرت محصول روند روبه رشد سرمایه داری آمریکا و اروپا محسوب می شود. و تسلیم اشیاء و پدیدهایی می گردد. که توسط جامعه سرمایه داری و تولیدات بی حد و حصر، قدرت مطلق یافته اند.

تاجایی که هنرمندی چون وارهول با بیان اینکه (( می خواهم ماشین باشم)) خود را جزیی از کلیت چنین جامعه ای تلقی می کند.قبل از آن امپرسیونیسم انسان و پیرامون او را به تکه های رنگ مبدل کرده بود و سورا این تبدیل رابه اجزایی کوچکتر شکل داد و اکنون انسان به عنوان پدیده ای با خصایل کالایی در کنار اشیایی همچون بطری کوکا کولا، قوطی کنسرو و غیره قرار می گیرد.

ابزار هنر پاپ آرت ، برخلاف سنت هنر نقاشی که رنگ و بوم را مورد استفاده قرار می داد، تبدیل به وسایل و ابزار زندگی جمعی و مصرفی می گردد. هنرمند پاپ آرت در احاطه پدیده های نو ظهور و زندگی شهری به عنوان نماینده قشری از اقشار جامعه، محتویات ذهن خود دیگران را نقش می زند.

برخی از ناظرین هنری، ریشه پاپ آرت را به سورئالیسم ، دادائیسم و کلاژهای شوئیترز می رسانند. اما آنچه مسلم است آمیزه ای از سبکهای گوناگون را در پاپ آرت می توان یافت.





نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها : پاپ آرت، هنر مردمی،
لینک های مرتبط :

       نظرات
دوشنبه 4 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک

هنر دیدگانی یا آپ آرت، به نوعی نقاشی یا اشكال دیگر هنر گفته می شود كه با خطای دید سر و كار دارند و یا از آن استفاده می كنند. هنر دیدگانی، یك جنبش هنری بود كه در سالهای دهه شصت میلادی، از هنر پاپ(Pop Art)مشتق شد و به صورت مكتبی مستقل درآمد.

Bridget Riley - 1966

واژه آپ آرت اولین بار به سال 1964 در مجله تایمز آمده، اگر چه بسیاری آثاری که امروزه به عنوان Op Art دسته بندی می‌شوند، پیش از این تاریخ آفریده شده‌اند.

جنبش آپ آرت در سال‌های دهه شصت قرن بیستم میلادی از هنر عامه مشتق شد و به‌صورت مکتبی مستقل درآمد. نقاشان این مکتب، مجموعه‌ای از خط‌ها، شکل‌های خُرد و سطح‌های رنگی درخشان را متقارن و متمرکز به نظم در می‌آورند که لرزنده، پیش‌آینده و پس‌رونده جلوه کنند. آگام و بریجیت رایلی و ویکتور وازارلی از مهم‌ترین نمایندگان هنر دیدگانی هستند.

Bridget Riley - 1962

بیننده ای كه به آثار این سبك می نگرد، ممكن است حركت، چشمك زدن، خاموش و روشن شدن، چرخش، لرزش یا جهش مشاهده كند.این سبك، تركیبی از علم و هنر است،‌به عبارتی می‌توان گفت كه وجوه علمی در آثاری كه به این سبك خلق می‌شوند، قابل تشخیص هستند. هنرمند این سبك در آثاری كه خلق می‌كند، تأثیرات مختلفی را كه در بیننده ایجاد می‌شود، مد نظر دارد و هدف وی این است كه تماشاگر را به نوعی در جریانی كه این‌گونه تصاویر قصد بیان آن را دارند، وارد كند. گاهی در آثاری كه به این سبك خلق می‌شود، مخاطب دو و یا چند تصویر مختلف را درون یك تصویر تشخیص می‌دهد و از این مشاهده، كه به نوعی یك بازی فكری ست غرق در لذت می‌شود.

Victor Vasarely - zebra-1950

Horacio Garcia Rossi

بسیاری از نمونه‌های مشهور هنر دیدگانی سیاه و سفید رسم شده‌اند، به این دلیل برخی آن را آبستره (انتزاعی)  می‌دانند. كه از خطاهای بصری و دیگر جلوه‌های دیدمانی بهره می‌گرفت. این سبك عموماً از رنگ‌های درخشان و انتزاعات هندسی درهم فشرده استفاده می‌كرد و بر مد، طرح‌های تبلیغاتی و دیگر جنبه‌های فرهنگ همگانی دوره‌ی خود، تأثیر زیادی داشت

Victor Vasarely - vega-200-1968

Alberto Biasi - Ottico cinetico -1969

در اُپ آرت، تحریک شبکیه چشم، مهم‌ترین وسیله و معمولاً تنها وسیلهٔ ارتباط است و هدف از آن، ایجاد واکنش‌های بصری فیزیولوژیک در تماشاگر است. بسیاری از کارهای هنر دیدمانی، چیزی بیش از بازی‌های زیرکانهٔ ادراکی (یا خطای دید) نیستند. البته این آثار در بلندمدت نتوانستند اعتبارشان را حفظ کنند و فقط معدودی از آن‌ها توانستند موقعیت خود را به‌عنوان یک اثر هنری حفظ کنند، و از آن میان تنها استثنای درخور توجه، کار بریجیت رایلی بود.

Alberto Biasi - 1961

Alberto Biasi - inganno-di-afrodite-1979

در سال 1964 مقاله‌ای بدون نام نویسنده منتشر شد که عنوان آن «اُپ آرتتصاویری که به چشم یورش می‌برند» بود. گرچه این تعریف تا حدودی صحیح به نظر می‌رسد، اما نمی‌توان گفت کاملاً طبق واقعیت است. زیرا اُپ ارت فقط محدود به چنین تصاویری که نویسنده شرح داده، نمی‌شود. در اُپ آرت، تحریک شبکیه چشم، مهم‌ترین وسیله و معمولاً تنها وسیلهء ارتباط است و هدف از آن، ایجاد واکنش‌های بصری فیزیولوژیک در تماشاگر است. بسیاری از کارهای هنر دیدمانی، چیزی بیش از بازی‌های زیرکانهء ادراکی (یا خطای دید) نیستند. البته این آثار در بلندمدت نتوانستند اعتبارشان را حفظ کنند و فقط معدودی از آن‌ها توانستند موقعیت خود را به‌عنوان یک اثر هنری حفظ کنند، و از آن میان تنها استثنای درخور توجه، کار بریجیت رایلی بود.

Martha Boto - cosmos-n-2-1976

Victor Vasarely - dva-dva-1986

در سالهای اخیر با گسترش و رشد گرافیک کامپیوتری انواع جدیدی از این آثار پدید آمد که نمونهء شاخص آنها، تصاویری بود که در سالهای دههء 70 خورشیدی به نام تصاویر سه بعدی در جراید به چاپ می‌رسید.

شاید بتوان گفت كه ویكتور وازارلی (Victor Vasarly)، مهم‌ترین هنرمند سبك اُپ ارت است، زیرا وی از همان آغاز در این سبك، بسیار فعال بوده و همواره گرایش‌های جدیدی در این زمینه خلق می‌كرد. نمی‌توان به سادگی ادعا كرد كه وی فقط در این زمینه نقاشی می‌كشید و طرح‌های جدیدی ابداع می‌كرد؛ چرا كه در ورای هركدام از نقاشی‌هایی كه می‌كشید، فلسفه‌ای نهفته بود. او عمیقاً به وجوه علمی نقاشی‌هایش توجه داشت و درواقع نوعی هنر علمی را دنبال می‌كرد. علاوه بر این وازارلی همواره تلاش می‌كرد كه هنرش برای همه قابل فهم باشد؛ یعنی نیازی نبود كه بیننده معلومات قبلی و یا سابقه‌ی ذهنی مشخصی داشته باشد، بلكه با دیدن آثار وی به سادگی از آن‌ها لذت می‌برد. این هنرمند در كنار آثاری كه خلق می‌كرد، همواره افكار و نظرات‌اش را می‌نوشت و در دسترس عموم قرار می‌داد. این متون در نشریات بی‌شماری در امریكا و اروپا به چاپ می‌رسید.

Victor Vasarely - orion-k-1972

Piero Dorazio - aurora-1985

Dadamaino - disegno ottico dinamico-1964

ویكتور وازارلی در سال 1908 در شهر «پِش» در مجارستان متولد شد. وی ابتدا در آكادمی بوداپست پزشكی خواند و سپس زیر نظر الكساندر بورتنیك به فراگیری هنر پرداخت. در سال 1930 به پاریس مهاجرت كرد. كار خود را با گرافیك و هنر تبلیغاتی آغاز كرده و در 1944 به نقاشی پرداخت. اندكی بعد، نمایشگاه‌های مكرر خود را در گالری دنیس رُنه برپا كرد.

Victor Vasarely - tigres-1938

Victor Vasarely - vega-1957

Victor Vasarely - zebra-1937

وازارلی از سال 1947 منحصراً روی هنر كنستروكتیو هندسی كار كرد. وازارلی فرم‌های رنگین پیش ساخته‌ای را برای جفت‌كاری‌های مختلف پدید آورد تا به كمك آن‌ها بتواند هنر ارزان و قابل تكثیری را تولید كند. وی در اواخر دهه‌ی 19500 و در دهه‌ی 1960 به كسب جوایز بین‌المللی متعددی نایل آمد. وازارلی مبتكر اصلی و یكی از آفرینش‌گران هنر دیدمانی به شمار می‌آید. او از سال 1961 عمدتاً در جنوب فرانسه می‌زیست و دو موزه در پُروانس به نام وی نامگذاری شده‌اند. هم‌چنین یك موزه در زادگاه وی، شهر «پِش» مجارستان به نام وازارلی وجود دارد. این هنرمند 6 سال پیش، یعنی در سال 1997 در پاریس درگذشت.






نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها : آپ آرت، هنر آپ آرت، سبک هنری آپ آرت، سبک آپ آرت، هنر دیدگانی، هنر گرافیک، گرافیک،
لینک های مرتبط :

       نظرات
دوشنبه 4 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک

هنر دیدگانی (به انگلیسیOptical Art) یا آپ آرت (Op Art) یک جنبش هنری بود که در سال‌های دههٔ شصت میلادی از هنر عامه مشتق شد و به‌صورت مکتبی مستقل درآمد. نقاشان این مکتب، مجموعه‌ای از خط‌ها، شکل‌های  خُرد و سطح‌های رنگی درخشان را متقارن و متمرکز به نظم در می‌آورند که لرزنده، پیش‌آینده و پس‌رونده جلوه کنند. آگام و بریجیت رایلی از مهم‌ترین نمایندگان هنر دیدگانی هستند.

بسیاری از نمونه‌های مشهور هنر دیدگانی سیاه و سفید رسم شده‌اند، به این دلیل برخی آن را انتزاعی می‌دانند. بیننده‌ای  که به آثار این سبک می‌نگرد، ممکن است حرکت، چشمک زدن، خاموش و روشن شدن، چرخش، لرزش یا جهش مشاهده کند.

واژه آپ آرت اولین بار به سال ۱۹۶۴ در مجلهٔ تایمز آمده، اگر چه بسیاری آثاری که امروزه به عنوان Op Art دسته  بندی می‌شوند، پیش از این تاریخ آفریده شده‌اند.

در سال ۱۹۶۴ مقاله‌ای بدون نام نویسنده منتشر شد که عنوان آن «اُپ آرت: تصاویری که به چشم یورش می‌برند» بود. گرچه این تعریف تا حدودی صحیح به نظر می‌رسد، اما نمی‌توان گفت کاملاً طبق واقعیت است. زیرا اُپ ارت فقط محدود به چنین تصاویری که نویسنده شرح داده، نمی‌شود. در اُپ آرت، تحریک شبکیه چشم، مهم‌ترین وسیله و معمولاً تنها وسیلهٔ ارتباط است و هدف از آن، ایجاد واکنش‌های بصری فیزیولوژیک در تماشاگر است. بسیاری از کارهای هنر دیدمانی، چیزی بیش از بازی‌های زیرکانهٔ ادراکی (یا خطای دید) نیستند. البته این آثار در بلندمدت نتوانستند اعتبارشان را حفظ کنند و فقط معدودی از آن‌ها توانستند موقعیت خود را به‌عنوان یک اثر هنری حفظ کنند، و از آن میان تنها استثنای درخور توجه، کار بریجیت رایلی بود.[۲]

در سالهای اخیر با گسترش و رشد گرافیک کامپیوتری انواع جدیدی از این آثار پدید آمد که نمونهٔ شاخص آنها، تصاویری بود که در سالهای دههٔ ۷۰ خورشیدی به نام تصاویر سه بعدی در  جراید به چاپ می‌رسید.





نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها : معرفی هنر، معرفی هنر دیدگانی، هنر دیدگانی، سبک هنری، سبک هنر دیدگانی،
لینک های مرتبط :

       نظرات
دوشنبه 4 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک

رئال یعنی واقعی و رئالیسم به معنی واقعی گری و حقیقت گرایی، نوعی گرایش هنری است که اشیاء و موجودات را آنگونه که هستند، زشت را زشت و زیبا را زیبا ترسیم می نمایند. سبک نقاشی رئالیسم نقطه مقابل سبک رومانتیک قرار دارد. سعی هنرمند نقاش رئالیسم در این است که موضوعات منتخب را بدون کم و کاست و شیرین کاری و عوام فریبانه شدن طرح در ذهن بیننده، ترسیم کند و تخیلات غیرواقعی نیافریند و شعار ندهد. مبنای کار آنان صادقانه نگری و صادقانه اندیشیدن است.

 

نقاشی,سبک های نقاشی,نقاشی رئالیسم

سبک نقاشی رئالیسم نقطه مقابل سبک رومانتیک قرار دارد

 

سبک رئالیسم علاوه بر اروپا، بخش عظیمی از روسیه را به خصوص در شاخه های اجتماعی و سیاسی در بر گرفت. هدف هنرمند سبک رئالیسم به تصویر کشیدن موضوعات عادی و روزمره مردم کوچه و بازار، دهقانان، کارگران و سایر اقشار جامعه است. بر خلاف مکاتب قبلی خود، فقط به دنبال به تصویر درآوردن صحنه های ناب و زیبا و تجملی زندگی نبوده است.

 

نقاشان معروف سبک رئالیسم در اورپا:

گوستاو کوربه، ژان فرانسوا میله، انوره دومیه، ادوارد مانه و هنرمندان معروف روسی: ایوان شیشکین، ایلیار پین، کرامسکوی، می باشند.

مشهورترین و اصلی ترین هنرمند سبک رئال، گوستاو کوربه، نقاش فرانسوی بود. کوربه می گوید هدفم این بوده است که بتوانم رسوم، اندیشه ها و ظواهر را آنچنان که به چشم می بینم شبیه سازی کنم. همچنین او می گوید: من اصلا نمی توانم فرشته ای را بکشم که او را هرگز ندیده ام. فرشته را نشانم دهید تا بتوانم تابلویی از پیکرش بکشم. این نقطه مقابل "رومانتی سیسم" است.

 

نقاشی,نقاشی رئالیسم,سبک های نقاشی

تابلوی رنگ روغن گوستاو کوربه به نام سنگ شکنان

 

هنگامی که کوربه پرده ی «سنگ شکنان» را به معرض نمایش گذاشت، نخستین اثری بود که واقع گرایی برنامه ریزی شده ی او را به طور کامل در بر داشت. وی دو مرد را که بر جاده ای کار می کردند دیده بود و آن ها را سرمشق نقاشی اش قرار داده بود. کوربه آن ها را به اندازه ی طبیعی، با هیکلی جسیم و حالتی کاملا عادی، بدون هیچ گونه نشانی از بارقه ی رنج یا حساسیت بارز نقاشی کرد.

 

 در سال های ۱۸۵۵ که نمایشگاه های نقاشی پاریس در انحصار آثار «انگر» و «دلاکروا» بود، کوربه با تشکیل دادن نمایشگاه خصوصی، آثار خود را به همراه «بیانیه ی واقع گرایی» خود عرضه کرد. موضوعات او بیشتر شکارچیان، دهقانان، کارگران و... بودند.

 

نقاشان معروف سبک رئالیسم,نقاشی رئالیسم,سبک های نقاشی

تابلوی رنگ و روغن گوستاو کوربه، مراسم تدفین در اورنان

 

این نقاشی، مراسم تدفین جنازه ای را در منظره ای بیروح و ولایتی نشان می دهد، که مردمی ناشناس و بی اهمیت! از نوع شخصیت های داستانهای بالزاک و فلوبر در آن حضور یافته اند. اینان که لباس سیاه یکدست به تن دارند، بی سر و صدا در اطراف گور حلقه می زنند و در همان حالت روحانی، به خواندن دعای میت می پردازند. چهره های حاضران بازتابهای گوناگونی از واکنش آنان و در حکم مجموعه ای از حالات روانی تشییع کنندگان و چهره های مومن فقراست.

 

کوربه در اینجا موضوعی را که حتی کمتر ممکن بود مورد توجه تماشاگران سالن پاریس قرار گیرد، بزرگ می کند. ولی همین موضوع در آینده ای نه چندان دور به تمام زوایای زندگی و هنر سده ی نوزدهم راه میابد و پیش می رود: انسان دوستی و علاقه به اصلاحات اجتماعی. در اینجا دیگر اثری از عنصر قهرمانی، متعال و هراس آور نیست، بلکه واقعیت تلخ و کسل کننده ی زندگی و مرگ بر آن سایه افکنده است. آنچه به نظر هنرمند جالب می رسد، اکنون در محیط خود اوست. این موضوع جالب مردم اند، نه آن بازیگران فوق بشر یا دون بشر در صحنه ای عظیم. مردم  همان گونه که هستند و با آهنگ عادی زندگی نوین به حرکت در می آیند.





نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها :
لینک های مرتبط :

       نظرات
دوشنبه 4 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک

رئالیسم یا واقع گرایی، شیوه ای است که در آن هنرمند باید در نمایش طبیعت( طبیعت بدونِ انسان و با انسان) از هرگونه "احساساتی گری" خودداری کند. اما منظور ما از رئالیسم، در اینجا شیوه ی هنری ای است که از حوالی سال 1840 به بعد در اروپا و دیگر نقاط جهان متداول شد.مدت زیادی از میانه ی قرن نوزدهم نگذشته بود که شارل بودلر شاعر و هنرشناس فرانسوی، در سال 1846 نقاشیهایی را می ستود که بتواند"خاصیت قهرمانی زندگی معاصر" را به وصف درآورد. در آن زمان تنها یک نقاش وجود داشت که برآوردن این "نیازمندی" را اساس ایمان هنری خود قرار دهد. و او کسی نبود جز گوستاوکوربه که در بخش قبل از او نام برده شد. کوربه که به پرورش روستایی خود می بالید و در سیاست از سوسیالیست ها طرفداری می کرد، هنر خود را در سالهای میان 50-1840 به شیوه ی نوباروک رمانتیک آغاز کرد، لیکن در سال 1848 در زیر فشار طغیانهای انقلابی که سراسر اروپا را فرا گرفته بود، کوربه به این عقیده در آمد: تاکیدی که مکتب رومانتیسم بر اهمیت احساس و تخیل می گذاشت صرفا دستاویزی بود برای فرار از واقعیتهای زمان و او اعتقاد به این امر پیدا کرد که هنرمند نباید تنها به تجربه ی شخصی و بی واسطه ی خود تکیه کند و می گفت: من نمی توانم فرشته ای را تصویر کنم، زیرا هرگز آن را به چشم ندیده ام!
هنگامی که کوربه پرده ی "سنگ شکنان" را به معرض نمایش گذاشت، نخستین اثری بود که واقعگرایی برنامه ریزی شده ی او را به طور کامل در بر داشت.

Courbet8.jpg

وی دو مرد را که بر جاده ای کار می کردند دیده بود و آنها را سرمشق نقاشی اش قرار داده بود.
کوربه آنها را به اندازه ی طبیعی، با هیکلی جسیم و حالتی کاملا عادی، بدون هیچ گونه نشانی از بارقه ی رنج یا حساسیت بارز نقاشی کرد. در سالهای 1855 که نمایشگاه های نقاشی پاریس در انحصار آثار انگر و دلاکروا بود کوربه با تشکیل دادن نمایشگاه خصوصی آثار خود را به همراه "بیانیه ی واقعگرایی" خود عرضه کرد.موضوعات او بیشتر شکارچیان، دهقانان، کارگران و ... بودند. به بیان او دنیای نقاشی دارای"قوانینی طبیعی" است و نخستین وظیفه ی هر نقاش این است که به پرده نقاشیش وفادار بماند نه نسبت به دنیای خارج وهمینجاست که طرز فکر"هنر برای هنر" که بعدها در اروپا رواج یافت بنیان می یابد. کوربه در نقاشی های خود از هرگونه پیرایه بندی و اغراق احساساتی خودداری می کرد، تا آنجا که معمولا کارهای او را زشت و ناهنجار و غیر هنری به شمار می آوردند. 
از رئالیست های دیگر"انوره دومیه" است که در طی حکومت ناپلئون سوم برای نشریات انتقادی- فکاهی کاریکاتور تهیه می کرد. دومیه در کارهایش از هرگونه آب و تاب دادن موضوع خودداری می کرد و واقعیات اجتماعی هرچند تلخ و وحشیانه را به تصویر می کشید.
رئالیسم در کلیت خود، اصلاحی در تاریخ هنر است که به بازنمایی واقعیتِ مورد تجربه ی انسانها در زمان و مکان معین اشاره دارد. در این تعریفِ عام، رئالیسم مفهومی متضاد با آرمانگرایی، انتزاعگرایی، چکیده نگاری و رمانتیسم است و از این رو با معنای ناتورالیسم(naturalism)، مترادف انگاشته می شود. از جنبه ی صوری، رئالیسم به این دلیل با ناتورالیسم متمایز است که بر "عام در خاص" تاکید می کند( ناتورالیسم صرفا " خاص" را چون اساس واقعیت ارائه می کند) از نظر محتوی نیز رئالیسم با ناتورالیسم متفاوت است، زیرا لزوما به اثباتگرایی و فلسفه ی طبیعتگرانه درباره ی زندگی نمی پردازد. گاه واقع گرایی را در معنای "واقع نمایی" بکار می برند. که در این صورت مفهومی متضاد با کژنمایی است. برخی نیز شبیه سازی واقعیت را "واقعگرایی بصری" می نامند. و آن را از واقعگرایی مفهومی جدا میکنند.
رئالیسم به مثابه یک روش هنری، قابل تعمیم به بسیاری از آثار هنری – صرف نظر از سبک یا اسلوب معین - است. رئالیسم را در آثاری می توان شناخت که هنرمند از سطح ظواهر عینی فراتر رفته، حقایقی از روابط گوناگون و پویای انسانها با یکدیگر و با محیطشان را بیان می کند و به طور کلی با مسئله ی "انسان چیست و چه می تواند بشود" درگیر می شود. نقاشانی چون رامبراند، گویا، وانگوگ، پیکاسو، لژه و بسیاری از هنرمندان دیگر، آثاری واقع گرایانه آفریده اند. در برخی از این آثار روشهای کژنمایی، انتزاع و چکیده نگاری به کار رفته است.رئالیسم چون یک آموزه یا نظریه ی هدفمند، در میانه ی سده ی نوزدهم، واکنشی در برابر خصلت آرمانی کلاسی سیسم و خصلت ذهنی و تلقینی رمانتیسم بود. واقعگرایی سده ی نوزدهم بر تفسیر همه جانبه ی زندگی اجتماعی و تجسم دقیق سیمای زمانه تاکید می کرد.(از نظریه پردازان اصلی آن، شانفلُری و دورانتی بودند).ادامه ی جنبش رئالیسم سده ی نوزدهم به دو جریان امپرسیونیسم و ناتورالیسم – به خصوص در ادبیات – انجامید(واقعگرایی اجتماعی، رئالیسم سوسیالیست، واقعگرایی نو)

رئالیسم سوسیالیست:
اصطلاحی که در حدود نیم قرن معرف هنر و ادبیات شوروی سابق بود. نخستین بار ماکسیم گورکی، بواخارین، ژدانف، طرح آن را پیش نهادند. سپس مانند دستور کار به کلیه ی هنرمندان در تمامی عرصه های هنری اعلام شد(1934) هدف آن تولید آثار قابل فهم برای توده ها و هدایت مردم به ستایش عظمت کارگر و نقش او در ساختمان کمونیسم بود. رئالیسم سوسیالیست عملا سنت واقعگرایی سده ی نوزدهم را دنبال کرد. و آگاهانه از دستاوردهای هنر مدرن – که هنرمندان پیشتاز روسی سهمی مهم در شالوده ریزی آن داشتند – چشم پوشید.رئالیسم سوسیالیست، پس از جنگ جهانی دوم، با کمابیش تفاوت در سبک و موضوع در بسیاری از کشورهای دیگر الگو قرار گرفت( متفاوت با واقعگرایی اجتماعی)
این جنبش تا سالهای 18744 که امپرسیونیسم پا به عرصه ی وجود گذاشت، ادامه داشت ...

رئالیسم در ادبیات و فلسفه:

افراط ورزیدن بیش ازحد دراحساسات توسط هنرمندان رمانتیک باعث شد که آنها به تدریج از واقعیات اطراف خود دورشوند، غرق شدن درتخیلات باعث شد که پیوند خود را با مردم و دنیای واقعی قطع کنند. دراین شرایط کم کم نویسندگان دیگری پدیدارشدند که درآثارشان اجتماع را با تمام خوبی ها و بدی هایش به تصویر کشیدند و چهره ای از زندگی واقعی را نشان دادند. 
دراین زمان بود که مکتب رئالیسم یا واقعگرایی ادبی درفرانسه شکل گرفت. دراین مکتب برخلاف رمانتیک به واقعیت اهمیت داده می شد و مشکلات و مسائل اجتماعی مطرح می شد و تنها چیزهایی که دیده می شد بیان می گردید و حتی به شعر نیز به اندازه رمان اهمیت داده نمی شد. از معروفترین نویسنده های رئالیست انوره دو بالزاک با اثر معروفش " کمدی انسانی" است که به عنوان پیشوای مکتب رئالیسم در ادبیات شناخته شد. این رمان درمورد جامعه پاریس درقرن 19 نوشته شده بود. بالزاک معتقد بود نباید درمورد کسی یا چیزی که هرگز ندیده است بنویسد. از دیگر نویسندگان معروف این سبک گوستاو فلوبر با کتاب "مادام بواری" که به عنوان "کتاب مقدس رئالیسم " شناخته شده است. این کتاب به تمامی اصول این مکتب پایبند است همچنین استاندال با رمان معروفش "سرخ و سیاه" وگی دومو پاسان با داستانی چون" گردنبند" که عمده شهرتش به خاطر داستانهای کوتاه رئالیستی است.
رئالیسم ادبی درروسیه با داستان "شنل" اثر نیکلای گوگول آغاز شد. وی واقعیتهای روسیه معاصرخود را بوسیله هجو و طنز بیان می کرد.اما معروفترین رمانهای رئالیستی روس مانند"جنگ و صلح، آنا کارنینا و رستاخیز"مربوط به نویسنده بزرگی چون "لئون تولستوی" است.واما بیشتر داستانهایفئودورداستایوفسکی به " رئالیسم روانکاوانه " معروف هستند در شاهکارش"جنایت و مکافات" مستقیماً با اثرات روانی جنایت برروح شخصیتش سرو کار دارد . اینجا لازم است از ایوان گنچاروف با اثر جاودانش "اُبلوموف" یادآوریم، دراین رمان کاهلی و سستی طبقه اشراف روس بررسی می شود. همچنین ماکسیم گورکی که امضای او درزبان روسی به معنای "تلخ و بینوا" شهرت بسیار یافت.  داستانهای او بیشتر بیان زندگی انسانهای مطرود ازاجتماع و فرودست است که ذاتا خلافکار نیستند و جامعه مسئول بدبختی آنهاست و کورمال به دنبال نوری می گردند. آنتوان چخوف که تحصیل اصلی او دررشته پزشکی بود ، اما بعدها به فعالیت ادبی روی آورد.  وی نمایشنامه و نوول(داستان کوتاه ) های بسیاری نوشته است. 
واژه رئالیسم در فلسفه در واقع به معنای مکتب اصالت، واقع است.مکتب رئالیسم نقطه مقابل مکتب ایده آلیسم است؛ یعنی مکتبی که وجود جهان خارجی را نفی کرده و همه چیز را تصورات و خیالات ذهنی می داند.رئالیسم یعنی اصالت واقعیت خارجی. این مکتب به وجود جهان خارج و مستقل از ادراک انسان، قائل است.ایده آلیست ها همه موجودات و آنچه را که در این جهان درک می کنیم، تصورات ذهنی و وابسته به ذهن شخص می دانند و معتقدند که اگر من که همه چیز را ادراک می کنم نباشم، دیگر نمی توانم بگویم که چیزی هست. در حالی که بنابر نظر و عقیده رئالیستی، اگر ما انسان ها از بین برویم، باز هم جهان خارج وجود خواهد داشت. به طور کلی یک رئالیست، موجودات جهان خارج را واقعی و دارای وجود مستقل از ذهن خود می داند.باید گفت در واقع همه انسانها رئالیست هستند، زیرا همه به وجود دنیای خارج اعتقاد دارند. حتی ایده آلیست ها نیز در زندگی و رفتار، رئالیست هستند، زیرا باید جهان خارج را موجود دانست تا بتوان کاری کرد و یا حتی سخنی گفت. کلمه رئالیسم در طول تاریخ به معانی مختلفی غیر از معنایی که گفته شد، استعمال شده است. مهمترین این استعمال ها و کاربرد ها، معنایی است که در فلسفه مدرسی یا اسکولاستیک(Scholastic) رواج داشته است.در میان فلاسفه ،مدرسی جدال عظیمی بر پا بود که آیا کلی وجود خارجی دارد و یا اینکه وجودش فقط در ذهن است؟ کسانی که برای کلی واقعیت مستقل از افراد قائل بودند، رئالیست و کسانی که کلی را تنها دارای وجودی ذهنی و در ضمن موجودات محسوس می دانستند و برای آن وجود جدا از جزئیات قائل نبودند،، ایده آلیست خوانده می شدند. بعدها در رشته های مختلف هنر مانند ادبیات نیز سبک های رئالیستی و ایده آلیسمی به وجود آمد و سبک رئالیسم در مقابل سبک ایده آلیسم است.(سبک رئالیسم یعنی سبک گفتن و نوشتن متکی بر نمودهای واقعی و اجتماعی. اما سبک ایده آلیسم عبارت است از سبک متکی به تخیلات شاعرانه گوینده یا نویسنده)


رئالیسم در سینما و عکاسی
به طور کل توضیح دادن این سبک در سینما بسیار مشکل است و تنها به قسمتهایی بسنده می کنیم. به این دلیل که باید تاریخ سینما را تا رسیدن به این سبک به طور مفصل و پایه ای بررسی کنیم.فیلمهای رئالیستی در سینما به دو بخش عمده ی فیلمهای مستند و فیلمهای رئالیستی اجتماعی تقسیم می شوند. که ظهور هر کدام از این ها لازمه ی زمان مشخصی است. و بوجود آمدن این سبک در هنر سینما در هر کشور و هر سینمایی قابل بحث عمیق است.
لویی و آگوست لومیر، سازنده ی نخستین فیلمها بودند. برادران لومیر مخترع "سینماتوگراف" (دستگاه نمایش دهنده فیلم) بودند.نخستین فیلمی که به صورت رسمی نمایش داده شد در تاریخ 28 دسامبر 1895 در زیر زمین گراند کافه – واقع در بلوار کاپوسین پاریس – بود این تاریخ را به طور کل به عنوان سر آغاز تاریخ سینما به رسمیت می شناسند.
همزمان با اختراع لومیرها در فرانسه ادیسون نیز دستگاهی به نام "کینتوسکوپ" (kinetoscope ) را اختراع کرد. اما تصاویر متحرک آن از یک روزنه و تنها برای یک نفر قابل دیدن بود. نخستین فیلمهای لومیرها تنها یک سری تصاویر از زندگی عادی و روزمره مردم بود، مثل غذا دادن به کودک (کودکی روی زانوی مادرش نشسته و مادرش غذا را به دهان او می گذارد) یا خروج کارگران از کارخانه ( عده ای کارگر که کارخانه لومیرها را ترک می کنند) باغبان آبپاشی شده ( جوانی پایش را روی شلنگ آبیاری یک باغبان می گذارد وقتی باغبان شلنگ را بررسی می کند، ناگهان آب به شدت به صورتش می پاشد) و بعدها صحنه معروف "ورود قطار به ایستگاه" قطاری که لوکوموتیوش به نظر رها شده می آمد و به شدت باعث وحشت تماشاگران شد! لومیرها سازنده فیلمهایی بودند که امروزه "مستند" نامیده می شوند. فیلم مستند گرچه واقعیت زندگی روزمره است اما در سینما چیزی که به عنوان رئالیسم به مفهوم خاص به فیلمها نسبت داده شد. چیزی جدای فیلمهای مستند بود. 
بارزترین نوع سینمای رئالیسم نوین در آلمان پس ار سال 1924 بود. (سبک اکسپریسونیسم- که توضیح آن طبق روال تاریخی آورده خواهد شد - در آلمان دهه ی بیست اوج گرفته بود و راهنمای سبک رئالیسم شد)درسالهای پس از جنگ آلمان بسیاری از کارگردانان خود را از قالب های سینمایی پس از جنگ رها کردند و رئالیسم نوینی در پایان سالهای بیست در هنر سینما پایه گذاردند. و ظاهرا هرگونه برخورد عاطفی از نوع رمانتیک با شخصیتهایی که توصیف می شوند از فیلمها طرد شد. و تصمیم گرفته شد که فرد به هیچ وجه نباید مرکز ثقل توجه قرار گیرد واین توجه باید معطوف به عده ی کثیری از افراد گردد و واقعیت گرایی نوین، ناب ترین بیان خود را ارائه داد.
جنبش دیگر رئالیسم به صورت رئالیسم شاعرانه در فرانسه در سالهای اختراع صدا در سینما (1928) تجلی یافت. سالهای میان 1935 تا1939 برای سینمای فرانسه به صورت سالهای پرباری در آمد و موفق به ابداع و کسب روش ویژه ای شد که در خارج از فرانسه موجب کسب اعتبار برای آن گردید.
گرایش به واقعیت ها، انتقاد شدید اجتماعی همراه با نوعی بدبینی نامشخص، از ویژگی های بیشتر فیلمهای این دوره به شمار می رود. ژان ویگو با فیلم "درباره ی نیس"، که فیلمی انتقادی – طنز بود پا به  عرصه سینمای رئال فرانسه گذاشت. در این فیلم که نوعی فیلم مستند اجتماعی بود، دو فیلمبردار با دوربین مخفی خود از زنان ثروتمندی که در بلوار آنگلز شهر نیس به گشت و گذار مشغول بودند فیلم برداری کردند و بعد ویگو در حین مونتاژ، صحنه هایی از شهر قدیمی نیس را با تصاویری جالب از باغ وحش در هم آمیخت. تصاویر تحریک آمیز هتل های اشرافی دنیای یکنواخت و پر امتیاز اشراف را به زیر سوال کشید. درباره ی نیس یک فیلم ساخته پرداخته ی مونتاژ بود که تصاویر آن در برخورد با یکدیگر معنی و مفهوم پیدا می کردند. فیلم دیگر ویگو"نمره ی اخلاق صفر" نیز نقطه نظری مستند به شمار می آمد. اصطلاح رئالیسم شاعرانه اولین بار به فیلمهای مارسل کارنه داده شد.
خصوصیت فیلمهای رئالیستی عبارت بودند از علاقه و توجه به محرومین، توجه به مسائل اجتماعی و به ویژه تعارض های میان فرد و جامعه و تجزیه و تحلیل افراد در محیط های خاص. اصولا پیدایش رئالیسم در حوزه هنر عکاسی به طور مستقیم به پیشرفتهای تکنولوژیک بشر مرتبط است.. یک دیدگاه جالب این است که پیدایش رئالیسم به طور مشخص با کشف دوربین عکاسی مرتبط است. یعنی پیدایش وسیله ای که به انسان امکان ثبت و ضبط کامل یک لحظه (و یا برش) از زندگی را میدهد. بررسی همزمانی کشف و پیشرفت تکنولوژی دوربین عکاسی با ایجاد و پیشرفت سبک رئالیسم ادبی به شکلی تایید کننده نظر فوق است. در یکی از روزهای تابستان سال1827 ژوزف نیسفور نیپس موفق به ثبت اولین تصویر ثابت شد . البته مدت کمی بعد نمونه بهتری از عکس و دوربین Niépce به وسیله Louis-Jacques-Mandé Daguerre ساخته شد . این دوره زمانی را تقریبا با دوره کاری بالزاک میشود یکسان گرفت. جالب اینجاست که در سال 1877 صفحات عکاسی (فیلم عکاسی) جدیدی به وسیله George Eastman ساخته شد که عملا انقلابی در ساختار دوربین های عکاسی پدید آورد. دوربینهای ساخته شده بعد از تولید این صفحات عکاسی را به عنوان اولین نسل جدی دوربینهای عکاسی امروزی به حساب می آورند. اما نکته جالب اینجاست که این پیشرفت چشمگیر در صنعت عکاسی با دوره کاری امیل زولا ( 1840-1902 ) هماهنگی دارد. به عنوان مثال امیل زولا ( نویسنده ی ناتورالیست) شاهکارش "ژرمینال" را در فاصله سالهای 5-1884 نوشت. این به این معنی است که پیشرفت تکنولوژیک در صنعت عکاسی با انتقال جریان ادبی رئالیسم به ناتورالیسم هماهنگی زمانی دارد. این هماهنگی زمانی کاملا معنادار است و نشانه اثر گذاری این جریانها بر یکدیگر و رشد هر دوی آنها ست. یعنی ایجاد توانایی در ثبت و ضبط لحظات و عینیت بیرونی افراد و اشیا و گسترش توانایی در این نحوه نمایش. عکسهای رئال نیز مانند فیلمهای رئال در دسته عکسهای مستند و خبری دسته بندی می شوند. عکسهایی از لحظات طبیعی زندگی انسانها یا حیوانات و... خصوصیت عکسهای رئالیستی- انسانی نیز در بیشتر موارد علاقه و توجه به محرومین، موضوعات جنگ و خسارات جنگی، توجه به مسائل اجتماعی و همان تعارض های میان فرد و جامعه و تجزیه و تحلیل افراد در محیط های خاص بود که بدون اغراق عکاس( برعکس سبک های دیگر در عکاسی که لازمه ی آنها اغراق می باشد) و از راه ثبت مستقیم لحظه یا ثبت فرد در لحظه ای غیر از ژست و به طور طبیعی است. عدم استفاده از رتوش، گریم، نورپردازی خاص و نشان دادن جزئیات صورت از خصوصیات عکسهای پرتره ی رئالیستی است. عکسهای رئالیستی در فضایی کاملا طبیعی و با نوری طبیعی و بدون اغراق ثبت می شدند.
عکاس معروف Dorothea Lange  آثار رئالیستی جاودانی در زمینه ی عکاسی ارائه کرده است.


4.jpg
Migrant Mother

3.jpg
J.R. Butler, President of the Southern


1.jpg
Hopi Man

2.jpg
Mexican Labor

از دیگر عکاسانی که غالب آثار رئالیستی دارد می توان به gowin اشاره کرد. که خصوصیت بیشتر عکسهایش ثبت لحظاتی خاص در زندگی روزمره ی  انسانهاست.

gowin.jpg





نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها : رئال،
لینک های مرتبط :

       نظرات
دوشنبه 4 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک
من هرگز فرشته نمی‌کِشم؛ چون فرشته‌ای ندیده‌ام : آشنایی با سبک رئالیسم 

رئالیسم (Realism) چیست؟
«هربرت رید» در کتاب «معنی هنر» خود، درباره‌ی تعریف رئالیسم می‌گوید که رئالیسم یکی از مبهم‌ترین کلماتی است که در نقد هنر به کار می‌رود، لیکن این ابهام از کثرت استعمال آن جلوگیری نمی‌کند. توجه به این نکته جالب است که این عنوان هرگز مورد قبول هیچ مکتب نقاشی نبوده است. دقیق‌ترین معنی کلمه رئالیسم شاید در استعمال فلسفی آن باشد. به صورت کلی‌تر نام نظریه خاصی در باب معرفت است و حاکی است از اعتقاد به واقعیت عینی جهان خارجی. مبحث نقد ادبی در ابتدا بی‌شک اصطلاح رئالیسم را از فلسفه به عاریت گرفته است. نویسنده‌ی رئالیست کسی است که ظاهرا در انتخاب امور زندگی جانبداری خاصی نشان نمی‌دهد. بلکه صحنه‌ها و آدم‌ها را چنان‌که چشم می‌بیند توصیف می‌کند. اما در واقع، از آن‌جا که هنر همیشه مستلزم انتخاب است، در زمینه نقد هنر هم هنری رئالیستی است که می‌کوشد به هر وسیله‌ای که شده معنی هیئت ظاهری اشیاء را نمایش دهد، و چنین هنری مانند فلسفه‌ی رئالیسم مبتنی بر اعتقاد ساده به واقعیت عینی اشیا خواهد بود. ...

برای مشاهده کامل پست به ادامه مطلب مراجعه کنید...


ادامه مطلب(کلیک کنید)


نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها : رئالیسم، سبک رئال، سبک رئالیسم، هنر رئال، انواع سبک ها، سبک،
لینک های مرتبط :

       نظرات
دوشنبه 4 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک

ونسان ون گوگ نقاش پست امپرسیونیسم هلندی در طول زندگیش بیش از ۲۱۰۰ کار هنری تولید کرد. این هنرمند با وجود اینکه یکی از تاثیرگذارترین نقاشان قرن نوزدهم به شمار می‌رود در زمان حیاتش در گمنامی کامل به سر می‌برد و در تمام طول زندگیش فقط یک تابلوی نقاشی به نام تاکستان سرخ را فروخت. امروزه نقاشی‌های این هنرمند مشهور با قیمت‌های بسیار بالا به فروش می‌رسند به عنوان مثال تابلوی « آلی آو الیسکمپس» ونگوگ به قیمت ۶۶ میلیون دلار به فروش رفته است. نقاشی زیر تابلوی شب پرستاره‌ی ونگوگ است که این هنرمند آن را در هنگام بستری شدن در بیمارستان روانی کشیده است.

شب پرستاره ونسان ون گوگ

ون گوگ در دوران جوانی به زنی به نام راشل دل بسته بود و چون مال و منالی نداشت به او بدهد، به دلبر خود قول داده بود که به او یک «هدیه گران‌بها» تقدیم کند، و این البته گوش خودش بود که آن را بریده و برای او فرستاده بود.





نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها :
لینک های مرتبط :

       نظرات
یکشنبه 3 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک

پس از امپرسیونیسم یا «پست امپرسیونیسم» را «ادراک گرایی الحاقی » هم خوانده اند. گروهی از نقاشان امپرسیونیست کوشیدند که مرزهای تازه ای را در هنر نقاشی به وجود آورند. 

لیکن این کوشش، کوشش جمعی و برای هدفی خاص نبود. بدین جهت مکتب پست امپرسیونیسم را مرحله ای الحاقی از همان تحول امپرسیونیست ها تلقی می کنند. ژرژ سورا، با شیوه «دیویز یونیزم» یا نقطه پردازی ، جنبه های علمی و فیزیک رنگ را وارد عالم نقاشی کرد. ون گوک ، گرایش های اکسپرسیونیستی را درآثارش نشان داد و با قلم زنی های دیوانه وارش برسطح بوم، بیانگر جنون و عصیان عصر خویش شد. 

معروفترین هنرمندان این سبک پل سزان، ونسان ونگوگ و پل گوگن بوده اند 


خصوصیات مکتب پست امپرسیونیسم: 
الف : پیروان این مکتب درصدد پیشبرد انقلاب مانه و ادامه سبک امپرسیونیسم بودند. 
ب : همانند نقاشان امپرسیونیست همچنان تجربیات معطوف به رنگ و نور را درآثارشان ادامه دادند.
ج : از لحاظ شیوه های بیان در نقاشی ، هریک از هنرمندان این مکتب، روش خاص (سبک ) خود را درآثارشان ارائه دادند. گروهی برساختار و سازماندهی عوامل متشکله آثار خویش تأکید داشته وبه هندسه اثر ومسائل مربوط به قوانین ریاضی وتعادل و تناسب ونظم و هماهنگی سطوح و فرمها می پرداختند وگروهی دیگر هم بدون اعتنا به طراحی و ساختمان فرمها، آزادانه تجربیات رنگینی را می آفریدند.
د. هنرمندان این مکتب پایه گذار مکاتب نقاشی فوویسم، کلاسیک نو، کوبیسم، سمبلیسم و آبستره شدند.





نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها :
لینک های مرتبط :

       نظرات
یکشنبه 3 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک
پست امپرسیونیسم را می توان نخستین جنبش و حرکت مهم فراگیر در هنر نو به شمار آورد.
این اصطلاح درباره گرایش های مختلفی در نقاشی ، به ویژه در فرانسه ، که در ادامه امپرسیونیسم یا به عنوان واکنشی در برابر آن ، در فاصله زمانی حدود 1880 تا 1905 وجود داشت ، به کار رفته است 

اثر چارلز انگرلند

. این اصطلاح را نخستین بار راجر فرای ، نقاش و منتقد انگلیسی (1866 _ 1934 ) در عنوان نمایشگاهی به کار برد که در 1910 _1911 در گالری های گرافتن در لندن بر پا شد و فرای آن را نمایشگاه مانه و پست امپرسیونیست ها نامید .

http://www.seemorgh.com/uploads/1393/02/post2.jpg
اثر ونسان ونگوک

در این نمایشگاه عمدتا آثار سزان ، گوگن ، ونگوگ که سه شخصیت محوری پست امپرسیونیسم به شمار می آیند ، به نمایش گذاشته شد . پست امپرسیونیست ها به گونه های کاملا متفاوتی از یکدیگر در برابرناتورالیسم بازتابیده در کار امپرسیونیست ها و تاثیر گیری های لحظه ای آنها از طبیعت واکنش نشان دادند . 

http://www.seemorgh.com/uploads/1393/02/post3.jpg
اثر پل سزان

برای مثال سورا و نئو امپرسیونیست ها بر تحلیل هر چه علمی تر رنگ تاکید نهادند ؛ سزان که  میخواست " از امپرسیونیسم چیزی استوار و پایدار ، همچون هنر موزه ها بسازد " دلمشغول ساختار تصویری بود ؛ گوگن از " خطای شنیع ناتورالیسم " احتراز می کرد تا بتواند کارکرد نمادین رنگ و خط را کشف کند ؛ ونگوگ سر چشمه و منبع الهام اصلی اکسپرسیونیسم بود .

http://www.seemorgh.com/uploads/1393/02/post5.jpg
اثر ژرژ سورا





نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها :
لینک های مرتبط :

       نظرات
یکشنبه 3 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک

س از امپرسیونیسم یا «پست امپرسیونیسم» را «ادراك گرایی الحاقی » هم خوانده اند. گروهی از نقاشان امپرسیونیست كوشیدند كه مرزهای تازه ای را در هنر نقاشی به وجود آورند. لیكن این كوشش، كوشش جمعی و برای هدفی خاص نبود. بدین جهت مكتب پست امپرسیونیسم را مرحله ای الحاقی از همان تحول امپرسیونیست ها تلقی می كنند. ژرژ سورا، با شیوه «دیویز یونیزم» یا نقطه پردازی ، جنبه های علمی و فیزیك رنگ را وارد عالم نقاشی كرد. ون گوك ، گرایش های اكسپرسیونیستی را درآثارش نشان داد و با قلم زنی های دیوانه وارش برسطح بوم، بیانگر جنون و عصیان عصر خویش شد.
معروفترین هنرمندان این سبک پل سزان، ونسان ونگوگ و پل گوگن بوده اند
خصوصیات مكتب پست امپرسیونیسم:
الف : پیروان این مكتب درصدد پیشبرد انقلاب مانه و ادامه سبك امپرسیونیسم بودند.
ب : همانند نقاشان امپرسیونیست همچنان تجربیات معطوف به رنگ و نور را درآثارشان ادامه دادند.
 ج : از لحاظ شیوه های بیان در نقاشی ، هریك از هنرمندان این مكتب، روش خاص (سبك ) خود را درآثارشان ارائه دادند. گروهی برساختار و سازماندهی عوامل متشكله آثار خویش تأكید داشته وبه هندسه اثر ومسائل مربوط به قوانین ریاضی وتعادل و تناسب ونظم و هماهنگی سطوح و فرمها می پرداختند وگروهی دیگر هم بدون اعتنا به طراحی و ساختمان فرمها، آزادانه تجربیات رنگینی را می آفریدند.
د. هنرمندان این مكتب پایه گذار مكاتب نقاشی فوویسم، كلاسیك نو، كوبیسم، سمبلیسم و آبستره شدند.
نمونه ای از نقاشی های پست-امپرسیونیسم از اثار ونگوک

428px-VincentVanGoghDieArlesierin1890451px-Vincent_Van_Gogh_0012477px-Vincent_Willem_van_Gogh_037478px-Vincent_Van_Gogh_0016478px-Vincent_Willem_van_Gogh_015479px-Vincent_Willem_van_Gogh_128485px-Toulouse-Lautrec_de_Henri_Vincent_van_Gogh_Sun710px-VanGogh-View_of_Arles_with_Irises727px-Vincent_Van_Gogh_0019735px-Whitehousenight736px-Vincent_van_Gogh_1853-1890_-_The_Olive_Trees_1889765px-Vincent_Van_Gogh_0018769px-Vincent_Van_Gogh_0020776px-Vincent_Willem_van_Gogh_076800px-Vincent_Van_Gogh_0014800px-Vincent_van_Gogh_1853-1890_-_Wheat_Field_with_Crows_1890






نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها :
لینک های مرتبط :

       نظرات
یکشنبه 3 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک

این اصطلاح به گرایش های مختلفی در نقاشی اطلاق می شود که بین سال های 1880 تا 1905 به ویژه در فرانسه تداوم بخش سبک امپرسیونیسم شدند و یا در واکنش به آن شکل گرفتند.

این اصطلاح را راجر فرای برای عنوان نمایشگاهی که در سال 11-1910 درگالری گرافتون لندن برپا شد، ابداع کرد؛ «مونه و پست امپرسیونیست ها». از آن جا که عمده ترین آثار به نمایش در آمده متعلق به سورا، سزان، گوگن و ون گوگ بود عمدتن از این چند تن به عنوان شخصیت های کلیدی پست امپرسیونیسم یاد می شود. هر یک از این هنرمندان روش کاملاً متفاوتی در رد طبیعت گرایی و دلمشغولی به جلوه های گذرا که مشخصۀ  امپرسیونیست ها بود اختیار کردند. برای مثال سورا و نئوامپرسیونیست ها کوشش خود را بر تحلیل علمی تر رنگ متمرکز کردند، سزان نیز که مایل بود «امپرسیونیسم را چیزی صلب و پایا، مانند هنر موزه ای بدل کند» توجه خود را معطوف به ساختار تصویری کرد، گوگن به زعم خود از "خطای نفرت انگیز طبیعت گرایی" برائت جست تا کاربرد نمادین خط و رنگ را کشف کند؛ و ون گوگ نیز پیش قراول سبک اکسپرسیونیسم شد. از این رو بسیاری از تاریخ شناسان اصطلاح پست امپرسیونیسم را تحت تأثیر آثار این چهار هنرمند برجسته توصیف می کنند که هر یک با فعالیت مستقل و  رویکرد جدید به نقاشی، یک سبک شخصی را ابداع کردند. در واقع دلیل توجه به این هنرمندان در عصر حاضر  علاوه بر آثار ارزشمند، تاءثیر ژرفی است که یکایک ایشان برشکل گیری جریانهای عمدهء هنر مردن گذاشته اند.

به نحوی که امروزه میتوان گفت، جنبش کوبیسم از تأثیرات آثار سزان سر برآورد، اکسپرسیونیسم از آثار ون گوگ، فوویسم از گوگن، همینطور که بسیاری از سبک های انتزاعی ناب از آثار سورا سرچشمه می گیرند.

کامیل پیسارو (Camille_Pissarro)

 

هنری روسو (Henri Rousseau)

 

به همین دلیل اکثر مطالعات تاریخی هنر مدرن با جنبش پست امپرسیونیسم آغاز می شود، گرچه باید توجه داشت که بدون وجود جنبش امپرسیونیسم، هیچ  یک از این اساتید نقاشی قادر نبودند به چنین استقلال و اصالتی دست یابند.

نکته ی شایان توجه دیگر این که با وجود اختلافات اساسی  این هنرمندان در بسیاری جوانب،  همگی در ضرورت اینکه باید از فرهنگ تصنعی رایج زمان خود بگسلند و استقلال یابند، اتفاق نظر دارند. این دوری گزینی، گوگن را وادار ساخت تا به دریاهای جنوب روانه شود، ون گوگ را واداشت تا به کشف آرل نائل شود، سزان را واداشت تا به حیاتی انزوا جویانه در منزل خانوادگی رو آورد و سورا را بر آن داشت تا پشت درهای بسته به خلق ترکیب بندی های عظیم خود بپردازد. هر یک از این هنرمندان به طور مجزا ارتباطاتی داشتند اما این واقعیت که آنها در دورۀ زمانی بسیار مشابهی به کار می پرداختند و نمایشگاه های آثار آنها در شهر پاریس و در زمان مشابهی به دید جهانیان عرضه می شد، موجب گشت تا به عنوان جلوه ای کلی و تحت عنوان مشترک «پست امپرسیونیسم» شهرت یابند.





نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها :
لینک های مرتبط :

       نظرات
یکشنبه 3 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک

هنرمندان سبک پست امپرسیونیسم در را به روی دنیای هنر مدرن باز کردند. اصطلاح پست امپرسیونیسم هم به  وسیله یک منتقد هنری انگلیسی به نام «راجر فرای» برای توصیف هنرمندانی که بلافاصله پس از امپرسیونیست ها ظهور کردند ابداع شد.

به این ترتیب پست امپرسیونیسم با نسل جدیدی از هنرمندان پس از امپرسیونیست ها (مونه، دگا و رنوار از جمله امپرسیونیست ها بودند) آغاز شد. این دوره تقریباً از 1885تا1910 به طول انجامید.

ویژگی های سبک پست امپرسیونیسم چیست؟

پست امپرسیونیست ها استفاده از نور، سایه و رنگ در هنرشان را از امپرسیونیست ها به آموختند. آنها می خواستند ایده های جدید خودشان را به هنر اضافه کنند. بنابراین برای بیان افکار و احساساتشان در هنر شروع به تجربه موضوعات، تکنیک ها، دیدگاه ها و اشکال جدید کردند. به این ترتیب سبک پست امپرسیونیسم به وجود آمد.

نمونه هایی از هنر پست امپرسیونیسم

شب پرستاره اثر ونسان ون گوگ یکی از معروف ترین نقاشی ها در تاریخ هنر است. این نقاشی یک شهر کوچک (سنت رمی) را در زیر آسمانی از ستاره های در حال چرخش در شب نشان می دهد. یک درخت سرو تیره بزرگ در سمت چپ قرار دارد. ون گوگ با اشتیاق و احساساتی شدید نقاشی می کرد. وی شب پر ستاره را در سال 1889 کشید. (برای مشاهده تصویر بزرگ تر روی تصویر بالا کلیک کنید.)

نقاشی کولی در خواب

نقاشی کولی در خواب اثر هانری روسو است. خطوط دقیق، اشکال هندسی، رنگ های روشن و تصاویر خیالی به این نقاشی احساسی صلح آمیز و آرام بودن می دهد حتی با این که شیر بالای سر کولی خوابیده ایستاده است. مانند بسیاری از نقاشی های بزرگ، این نقاشی هم در سال 1897 چندان مورد قبول عامه قرار نگرفت اما امروزه بسیار محبوب شده است. (برای مشاهده تصویر بزرگ تر روی تصویر بالا کلیک کنید.)






نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها :
لینک های مرتبط :

       نظرات
یکشنبه 3 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک

اصطلاح پست امپرسیونیسم، نخستین بار توسط راجر فرای درسال 1910 در نمایشگاهی در نگارخانه گرافتن لندن مورد استفاده قرار گرفت. او این نمایشگاه را "مونه و پست امپرسیونیست‌ها" نام نهاد (8 نوامبر 1910 تا 15 ژانویه 1911)، نام زیرکانه‌ای که شبیه به نام شناخته شده "ادوارد مونه" بود و هنرمندان جوان فرانسوی که هنوز آثارشان در همه بخش‌های انگلستان شناخته نشده بود را در کنار نام مونه قرار می‌داد.


در این نمایشگاه، نقاشانی چون ونسان ونگوگ، پول سزان، پول گوگن، جورج سورا، آندره دورا، موریس دو ولمنک، اوتون فریه و مجسمه ساز، اریستید میو شرکت داشتند. رابرت روزن بلوم می‌گفت: " پست امپرسیونیست‌ها احساس می‌کردند که باید با تکیه بر اصول پایه‌ای امپرسیونیسم، عوالم شخصی را به تصویر بکشند."

پست امپرسیونیست‌ها، ایده‌های امپرسیونیست‌ها را در مسیرهای جدیدی قرار دادند. واژه پست امپرسیونیست نشان می‌دهد، که آن‌ها علی‌رغم پیوندی که با ایده‌های اصلی امپرسیونیست‌ها دارند، فراتر می‌روند و از گذشته به آینده قدم می‌گذارند.


تا چه مدت پست امپرسیونیسم یک جنبش بود؟

از اواسط دهه 1880 تا اوایل دهه 1900 (اگرفوویسم را هم در این جریان به حساب بیاوریم(.


ویژگی‌های اصلی پست امپرسیونیسم

پست امپرسیونیست‌ها، گروه‌های انتخابی از هنرمندان بودند و به همین دلیل نمی‌توان، ویژگی‌های یک‌دست و گسترده‌ای برای آن‌ها ذکر کرد. در واقع، هر هنرمند یکی از جنبه‌های امپرسیونیسم را انتخاب می‌کرد و به بزرگ‌نمایی آن می‌پرداخت. به عنوان مثال، ونسان ونگوگ به تشدید رنگ‌های زنده سبک امپرسیونیسم می‌پرداخت و از آن‌ها به صورت غلیظ در تابلوهای نقاشی خود استفاده می‌کرد (ما به آن، شیوه رنگ‌زنی غلیظ می‌گوییم). ونگوگ با حرکات سریع قلم موی نقاشی، حالات هیجانی و احساسی را به نمایش می‌گذاشت، از‌این‌رو او را شاخه‌ای جدید از امپرسیونیسم و یکی از طرفداران اکسپرسیونیسم می‌دانند (سبکی سرشار از محتوی احساسی(.

از جمله دیگر نمونه‌ها، جورج سورا را می‌توان نام برد، شیوه استفاده او از قلم مو مثل امپرسیونیست‌ها بود و آن را سریع و شکسته حرکت می‌داد و به این ترتیب میلیون‌ها نقطه رنگی و یا به عبارتی اثری به سبک پوانتیلیسم پدید می‌آورد.

پول سزان، نیز نمونه دیگری است که تفکیک رنگی موجود در امپرسیونیسم را به تفکیک صفحات رنگی ارتقا داد.

 

در فهرست زیر نام هنرمندان پیشتاز و جنبش‌های پست امپرسیونیسم هر یک از آن‌ها، آورده شده است:

ونسان ونگوگ - اکسپرسیونیسم

پول سزان - پیکتوریالیسم ساختاری

پول گوگن - سمبولیست، کلوازونیسم (مجزا گرایی)، پون اوان

جورج سورا - پوانتیلیسم (دیویزیونیسم، یا نئوامپرسیونیسم ای.کی.ای(

اریستید میو - نبی ها

ادوارد ووییارد و پیر بونار - انتیمیست

آندره دورا، موریس دو ولمنک و اوتون فریه - فوویسم

 

تفاوت امپرسیونیسم و پست امپرسیونیسم

امپرسیونیسم، نقاشی است که با حرکات سریع قلم آفریده می‌شود، معمولا از روی طبیعت کشیده می‌شود و به تصویر کشیدن تغییرات روشنایی در طول روز، بخش مهمی از آن است.
در پست امپرسیونیسم برای نشان دادن احساسات و حرکات، از رنگ‌ها و شکل‌های رسا، بدون هیچ محدودیتی استفاده می‌شود. در این سبک، برخی ویژگی‌های امپرسیونیسم‌ها، مثل بررسی افکت‌های نوری و اصول خیالی سبک ناتورالیسم یا طبیعت گرایی کنار گذاشته می‌شوند.

 

معرفی سبک‌های نقاشی (سبک پست امپرسیونیسم )

نقاشی صومعه جنگل سبک پست امپرسیونیسم






نوع مطلب : آموزش، 
برچسب ها :
لینک های مرتبط :

       نظرات
یکشنبه 3 اردیبهشت 1396
هنر گرافیک


( کل صفحات : 3 )    1   2   3